El lobo de Wall Street - The wolf of Wall Street

Sinopsis:

Un corredor de bolsa de Nueva York se niega a cooperar en un caso importante de fraude de valores, en el que están implicados Wall Street, las grandes corporaciones bancarias y la mafia. Basada en la autobiografía de Jordan Belfort. 

Crítica:

El lobo de Hollywood

Scorsese es un jodido lobo. Muy pocas veces en mi vida había disfrutado una película como he disfrutado esta. Hay que mentalizarse antes de ver esta película. Personalmente, cuando vi el trailer me vinieron unas ganas increíbles de ver la película, sabía que tenía que verla. Lo que no me esperaba, era que lo que salía en el tráiler ni siquiera era tan alocado como es la película. En el tráiler ves juergas en la oficina, puntería con enanos, sexo, drogas, dinero sucio, cinismo y humor negro. La película no es eso, la película es muchas juergas en la oficina, mucho sexo, muchas drogas, mucho dinero sucio, mucho cinismo y muchísimo humor negro.

Tampoco me malinterpreteis, no toda la película es un auténtico desfase. Digamos que de las tres horas que dura, una hora y media es puro desfase, una hora es humor negro y cinismo y media hora es profundidad dramática (que, aunque al principio no resulta fácil de tomar en serio, es increíble como consigue emocionarte, Scorsese es un verdadero genio). Este es el resultado que hubiera salido si Martin Scorsese hubiera dirigido "Project X". Como entretenimiento es pura dinamita, sus tres horas se convierten en 20 minutos, unos 20 minutos que quieres repetir justo al terminarlos. Es una película con la que es imposible dormirse.

Bueno, ahora creo que ya es hora de hablar sobre la película como tal, no como entretenimiento. En realidad, con decir que es una película de Scorsese ya basta para mucha gente, sin embargo voy a concretar (porque realmente vale la pena hacerlo).

La dirección de Scorsese es sorprendente, es muy moderna, muy ágil y con un tono de epicismo de coña absolutamente hilarante. Si crees que algo ya no podría ser más cínico de lo que es solo mediante un diálogo, Scorsese consigue que ese diálogo se vuelva todavía más cínico y obsceno mediante las imágenes.

Sin duda una mención especial se la merece Leonardo DiCaprio, uno de los más grandes actores vivos que hay. No se puede poner en duda que su actuación como Jordan Belfort "Wolfie" es de Oscar. Desde el segundo en que aparece por primera vez, te olvidas de que ha sido muchos otros personajes en muchas otras películas: acabas de conocerlo. Acabas de conocer a Jordan Belfort, una persona que de entrada es humilde, ambiciosa y dispuesta, pero con principios. A los 10 minutos esa persona ha desaparecido, saluda al lobo de Wall Street, una persona que no te arrepentirás de conocer. El lobo de Wall Street ya no es humilde sino altivo (que rebosa soberbia en cada gesto), ya no es ambicioso sino extremadamente avaricioso, ya no es dispuesto, porque no le hace falta, sabe que puede tener todo lo que quiera sin esfuerzo alguno. Para resumir digámos que es un cabrón sin escrúpulos, drogadicto, sexoadicto, ególatra y bueno, un hijo de puta capaz de todo a la que solamente le importa una cosa: el dinero. No quiere el dinero porque así le puede comprar cosas a su mujer ni para comprarse un Porsche, quiere el dinero porque puede tenerlo y al poder tenerlo puede ser poderoso. Y por lo tanto, al tenerlo, es poderoso. ¿Qué significa ser poderoso? Que puedes hacer lo que te dé la gana cuando te dé la gana, al menos hasta que la líes tanto que te metan en la cárcel. A pesar de que sabes que es un ser humano absolutamente horrible, te encanta, quieres ser él.

Todos los personajes te encantan, los compañeros del lobo (Jonah Hill se sale, me encanta este tío) y cualquier personaje en el mundo de las finanzas. En el Wall Street de esta película son todos unos cabrones sin corazón, pero todos son unos personajes inolvidables.

El guión es magnífico. No solamente la historia en sí (que a pesar de estar muy camuflada por los fiestones, las drogas y el sexo, está muy bien narrada), sino los diálogos. Cada diálogo de esta película es digno de ser enmarcado en un marco de veinte mil pavos. Cada diálogo desprende un cinismo extremo, esos diálogos que rebosan humor negro, ese humor negro que ha conseguido que me pase la mitad de la película riendo. A veces absurdos, a veces cabrones, incluso a veces dramáticos (sí, hay dramatismo en esta película), pero siempre magistrales.

En definitiva, una película que no puedes perderte por nada del mundo y por la que sin duda vale la pena pagar (y por la que yo pagaré lo que haga falta para tenerla en DVD justo cuando la saquen).

PD: Muy atentos a la escena de Popeye y la cocaína, de las escenas con las que más me he reído en toda mi vida.

Nota: 9,25

La semilla del diablo - Rosemary's baby

Sinopsis:

Los Woodhouse, un matrimonio neoyorquino, se muda a un edificio situado frente a Central Park, sobre el cual, según un amigo, pesa una maldición. Una vez instalados, se hacen amigos de Minnie y Roman Castevet, unos vecinos que los colman de atenciones. Ante la perspectiva de un buen futuro, los Woodhouse deciden tener un hijo; pero, cuando Rosemary se queda embarazada, lo único que recuerda es haber hecho el amor con una extraña criatura que le ha dejado el cuerpo lleno de marcas. Con el paso del tiempo, Rosemary empieza a sospechar que su embarazo no es normal.

Crítica:

Apúntame con una pistola, pero no voy a volver a verla

Polanski tiene un don para el cine, eso es un hecho que nadie puede negar. Como persona es un hijo de puta, un violador y un pederasta. Pero tiene un don para el cine.

"Rosemary's baby" (no pienso poner la denunciable traducción española) es una película única en todos los sentidos. Es un tipo de terror muy diferente al terror al que estamos acostumbrados en la actualidad, no hay sustos en esta película, no hay sobresaltos, no hay bichos digitales saltando y matando por ahí, en vez de eso hay miedo. Miedo de verdad. Desde los títulos de crédito ya te coge un mal presentimiento con esa canción entre melancólica y terrorífica y esas letras rosas. No tiene sentido intentar ocultar el argumento de la película (que es lo que se debería hacer) con ese título que los gilipollas (sin perdón) de los traductores le pusieron.

Hasta antes de ver esta película consideraba que "Insidious" (una película normalilla, aunque eficaz) era seguramente la película que más me había aterrado, eso lo seguía creyendo en medio de la película, hasta que he tenido que darle al botón de pausa para ir al baño y he abierto la puerta y me he tenido que enfrentar a mi casa deshabitada y oscura. En ese momento he sabido que estaría el resto del día arrepintiéndome de haberla visto. No solo me molesta el saber que hoy no podré dormir, sinó también no poder describir el terror que me ha implantado, nunca una película me había dado miedo a este nivel (y eso es un punto a favor de la película).

Respecto al aspecto técnico se puede decir mucho y poco, diciendo que se trata de una película de Polanski ya lo dices todo, aunque vamos a concretar un poco. Las actuaciones, empezando por la de Mia Farrow (que la tenía vista únicamente por películas de Allen, ya os podéis imaginar el cambio tan drástico que me ha dado su papel), sencillamente brutal, es la que consigue transmitirte ese mal cuerpo que se te queda, la que consigue que sufras con ella; siguiendo por Cassavetes, el soporte de Farrow en su salsa; el resto del reparto cumple con creces, no tengo la más mínima queja acerca de eso. Los planos es otro tema. Polanski y sus planos, esos planos claustrofóbicos, esos planos que hacen que claves la mirada en la pantalla, esos planos que te encierran en la película, esos planos que te acercan al más puro terror, que combinados con la BSO es para que te dé un infarto. Polanski dirige con una barita mágica, no sé como se lo monta, pero algo hace para que le salgan estas películas, pero ojalá hubiera más como él.

Por otra parte, odio a Polanski. Lo odio porque consigue joderme el resto del día con sus finales. Esos finales. Los finales más toca-cojones y deprimentes que se te puedan ocurrir, siempre con sus correspondientes cancioncillas que se te quedan en la cabeza y te recuerdan minuto sí, minuto también ese momento que quieres olvidar, eso que quieres no haber visto.

Sugerir sin mostrar... ahí reside la magia (oscura) de esta película. Es un verdadero mérito ser capaz de crear esa atmósfera desasosegante con sugerir cosas, ni siquiera es necesario decirlas, un aire malsano se respira en el ambiente, desde el principio sabes que algo no va bien, que hay algo que no está en su sitio, que no podrás disfrutar esta película como si fuera un helado en pleno verano, sino más bien tendrás que tragártela tapándote la nariz y con un sorbo de agua.

El hecho de que un año después la mujer de Polanski, Sharon Tate, fuera asesinada sádicamente por "la familia" Manson, no ayuda a una buena reputación para esta película.

Si tengo algo claro acerca de esta película es que no pienso volver a verla.

Nota: 8,75

Only god forgives

Sinopsis:

En Bangkok, Julian, un fugitivo de la justicia estadounidense, dirige un club de boxeo tailandés que actúa como tapadera para su tráfico de estupefacientes. Su madre, jefe de una amplia organización criminal, desembarca procedente de Estados Unidos para repatriar el cuerpo de su hijo favorito, Billy: el hermano de Julian ha sido asesinado tras haber masacrado salvajemente a una joven prostituta. Llena de odio y venganza, exige a Julian la cabeza de los asesinos. Julian deberán entonces enfrentarse a Chang, un extraño policía jubilado, adulado por los demás policías.

Crítica:

Dios perdona, pero la venganza no

Esta no es una película corriente, esta es una película de Nicolas Windign Refn. Para quién haya visto algún trabajo suyo (sin contar "Drive", probablemente su película más "convencional" de las que yo he visto) ya sabrá lo que eso significa. Significa que a él no le molestan planos largos y silenciosos, como bien es sabido que le gustan a Haneke, por ejemplo; significa que en la pantalla puede salir una considerable dosis de violencia; significa que no verás algo "entretenido"; significa que verás algo especial.

Esta película ha recibido muchos abucheos y muchas malas críticas, dicen que no tiene argumento, dicen que es muy violenta, dicen que es tediosa, pues bien, yo estoy dispuesto a revocar (o a justificar) esos adjetivos, para eso estoy yo aquí.

¡No tiene argumento!: Pues sí que lo tiene, aunque no lo necesite al beber directamente de la brillante dirección de Refn o de su perfección visual y estética. Dicen que no tiene ni la más mínima complejidad psicológica, algo bastante equivocado (en mi opinión, claro).

Para justificar lo dicho anteriormente necesitaré otro párrafo, me gustaría hablar del personaje de Gosling. Dicen que es absolutamente impasible, sin ninguna actuación por mostrar, pues bien, a mí no me ha resultado difícil ver la complejidad de su personaje basándome únicamente en su actuación. Ese personaje es un personaje atormentado, de corazón puro pero lleno de odio, esas dos partes de él se pueden ver claramente, por una parte tenemos al Gosling de ojos tristones, el que abunda durante la película, pero por otro lado está su lado que le cuesta controlar, su ira, es como un ángel caído al infierno, donde su pureza se ve corrompida por una maldad como inercia*.

Por otro lado está el personaje "antagonista", un duro ex-policía con una curiosa filosofía propia, una especie de justiciero infernal, un hombre que está en un pedestal de la policía de Bangkok. Sus métodos son poco ortodoxos, pero eficaces, él es la justícia en Bangkok.

Básicamente la película es el resultado de esos extremos representados por el policía y por Julian, muy diferentes pero en cierta manera muy similares.

A otro rollo, ¡es muy violenta!, me parece bastante estúpido decir eso. Hay miles y miles de películas tan o más violentas que esta y el 80% de ellas no está tan justificada como aquí, es necesaria para retratar la mano dura de la venganza y de la justícia, la naturaleza violenta de ambos bandos con tal de lograr aquello en lo que creen.

Y lo de ¡es tediosa! pues enhorabuena, no lo es para mí, a mí me pareció inteligente y calmada en su lugar, hay gente que confunde lo tedioso con lo serio, con lo reflexivo, no hay tedio en esta película, solo hay luces de neón y venganza, no hay sitio para nada más en un lugar donde solo dios perdona.

En definitiva, una película que puede gustar o no (o puede estar en la franja regular/interesante porque no he entendido una mierda), pero en cualquier caso son innegables sus méritos. Faltan más como Nicolas Windign Refn.

Nota: 7,25

Spring breakers

Sinopsis:

Cuatro jóvenes estudiantes con ganas de mucha juerga acaban en la cárcel, tras ser sorprendidas en una casa llena de drogas durante sus locas vacaciones escolares de primavera (spring break). Pronto salen bajo fianza gracias a un joven traficante de armas y de drogas (James Franco) que ve en las chicas a unas potenciales delincuentes que usar para sus intereses.

Crítica:

El contracine (hasta nunca, Disney)

Hay gente y gente. Hay hipócritas y hipócritas. Y al parecer esta película es como un imán para tales hipócritas. Hay varios puntos que quiero comentar sobre esta película, pero empezaré con una crítica a la gente que la crítica sin motivo.

Para empezar, voy a criticar a los simplistas. Los simplistas son una clase conocida de "críticos" de cine, son aquellos que relacionan el tema de la película con la calidad de la película, es decir, que si ven una película sobre las guerras en África dirán que es una genialidad y que les emocionó mucho, en cambio si ven una película de jóvenes yendo de fiesta en fiesta dirán, por puro reflejo, que es una basura. Como en esta película las 4 protagonistas son chicas jóvenes que van por ahí bebiendo y drogándose ya no puede ser una buena película por los simplistas, porque salen culos y tetas en fiestas con alcohol y drogas. Esos mejor que no se molesten en verla.

Hay otros que dicen que tiene un guión absurdo, que no es realista ni creíble, no se dan cuenta que no es la intención, esta película podría no tener un guión físico y no se notaría la diferencia, porque básicamente su estética es su guión, es lo que pretende transmitir (claro que ayuda ese espíritu de descontrol y desenfreno).

Por cierto, para esos que se avergüenzan de que haya Skrillex en esta película: lamento deciros que lo que es esto es una canción dubstep en versión cinematográfica.

Esta película se divide en dos claras partes:
- La primera parte, donde prácticamente lo único que se ve son fiestones de la ostia con alcohol y drogas a ritmo de dubstep y música house.
- La segunda es una fusión entre "Drive" y "Bronson" de Nicolas Windign Refn (a nivel estético, claro) substituyendo los protagonistas por cuatro chicas monas y un gángster rapero nihilista y vividor (James Franco es épico).

De la primera parte casi no hablaré porque no hay demasiado que hablar, esa parte es como una película de adolescentes pero con una estética absolutamente perfecta y un magnífico montaje, esa parte es un preludio de la segunda parte. La segunda parte no es nada, es puro color, puro preciosismo visual, pura exageración, pura estética con una ideología nihilista de fondo. Como dice mucha gente, esta película se podría considerar que es un reflejo de la nueva generación, de la cultura "pop", hipster, moderna o como quieras llamarla.

Con esta película ha quedado demostrado una cosa: Harmony Korine puede ser un magnífico director si se lo propone, basta con ver esta película, te guste o no es innegable que Korine posee un dinamismo único.

Finalmente quiero remarcar un par de escenas dignas de museo:
- El plano secuencia del atraco, si la vieras en medio de "Drive" ni siquiera te darías cuenta de que no es la misma película, gran escena.
- Violencia al ritmo de Britney Spears al piano interpretada por James Franco ("Everytime", para ser exactos), una escena particularmente preciosa, de esos momentos mágicos que te regala el cine.
- El final, puede que a algunos les guste y a otros les de asco, pero sigue siendo un final con gran estilo, el punto culminante de ese sueño.

Nota: 8,5

Eyes Wide Shut

Sinopsis:

William Harford es un respetable médico neoyorquino cuya vida parece ir muy bien: está casado con una preciosa mujer, tiene una hija y hace un trabajo que le gusta. Pero, al día siguiente de asistir a una fiesta, su esposa Alice le habla de unas fantasías eróticas y de cómo estuvo a punto de dejarlo por un desconocido. Abrumado por esta confesión, acaba entrando en un local, donde un antiguo compañero le habla de una congregación secreta dedicada al hedonismo y al placer sin límites. A partir de entonces un mundo dominado por el sexo y el erotismo se abre ante él.

Crítica:

Ojos que no ven, corazón que no siente

A pesar de las muchas teorías que se han formulado acerca del significado de esta película, personalmente creo que aún hay mucho que decir. Para mí, "Eyes Wide Shut" es "El séptimo sello" de Kubrick, su obra más compleja y menos comprendida (a pesar de que la de Bergman haya sido muy valorada, al contrario que la de Kubrick, creo que aún residen muchos secretos por desvelar en esa película, igual que en esta).

De hecho, cada persona interpreta esta película de forma diferente, dependiendo de su forma de ser, de ver las cosas, su mentalidad, su corriente filosófica, su inclinación política...

Mucha gente dice que no es una película digna de Kubrick, que ni siquiera parece hecha por él (aunque realmente basta con ver los "títulos de crédito" iniciales, es decir, los primeros 15 segundos de la película para darte cuenta que es puramente de Kubrick) y sinceramente no lo entiendo, si de verdad es lo que piensan será porque no es una película "al uso" de Kubrick (es decir una obra maestra con alguna que otra idea, aunque no siempre y nunca con el fin de moralizar), sino que se podría decir que en cuanto a aspecto visual es más corriente (aunque la fotografía sea perfecta, su juego de colores con emociones es impresionante), tiene mucha más profundidad que las demás, es un pozo donde solo unos pocos han llegado hasta el fondo, pero ahí se han encontrado una trampilla cerrada con candado por el propio Kubrick, donde solamente él tuvo acceso y nadie más ha visto ni verá nunca.

Incógnitas, eso es lo que jode a mucha gente, las incógnitas sin resolución, algo que a mí me encanta, un misterio deja de ser un misterio si se le revela un final, una solución. Las preguntas sin respuesta abundan en esta película (de hecho, prácticamente se podría decir que son la base de la película), el misterio, un sofisticado onirismo que rodea toda la película, una niebla densa imposible de disipar.

Se dice por ahí que es lenta, muy lenta, y eso no lo niego en absoluto, sin embargo toda la gente se toma este adjetivo en el cine como algo negativo cuando puede ser positivo si esta lentitud es guiada por una buena mano, como por ejemplo por Stanley Kubrick o Michael Haneke, el rey de la lentitud (con su obra maestra "La cinta blanca" como corona). Hay un elemento que es el contrapunto de la lentitud y que puede llegar a contrarestarla por completo si se usa bien: la intriga. De momento esta es la segunda película que siendo increíblemente lenta, se me ha hecho increíblemente corta (la citada "La cinta blanca" la primera), y todo por un buen y dosificado uso de la intriga, en ambos casos una intriga malsana y de mal presagio.

Si hay un elemento muy destacado de Kubrick que no ha sido tan valorado como su técnica en sí al rodar una película es su capacidad para crear atmósferas con apenas unos segundos, basta con ver la presentación de "Eyes Wide Shut", solamente le basta con una música adecuada ("Jazz Suite n.2 - Waltz n. 2" de D. Shostakovich en esta ocasión, una bellísima pieza que muestra ya un ambiente sofisticado); se pueden dar varios ejemplos a parte de "Eyes Wide Shut", como son "La Chaqueta Metálica" (con un inicio igual de sencillo que en esta película con la canción "Hello Vietnam" de Johnnie Wright) o el estridente y magnífico inicio (e igual de sencillo) de "Barry Lyndon" con la canción "Sarabande" de Georg Friedrich Händel. Una excepción es la introducción de "La Naranja Mecánica" (para mí posiblemente el mejor de la historia del cine) con ese rojo inicial combinado con ese azul, creando así una violencia en las imágenes indescriptible, combinado con la perturbadora canción "Funeral of Queen Mary" de Henry Purcell.

Si el propio Stanley Kubrick afirmó que esta era su mejor película (siendo él de los mejores directores de la historia, aunque para mí posiblemente el mejor), esto hace que "Eyes Wide Shut" sea, en teoría, la mejor o de las mejores películas de la historia del cine. ¿Es cierto? Pues es posible, pero aunque lo sea dudo que nunca sea reconocida como tal, posiblemente porque nunca llegará a ser valorada como lo que es: las emociones y los pensamientos de Kubrick puestos en una película. Una obra digna de estudio.

Nota: 9

La cinta blanca - Das weisse Band - Eine deutsche Kindergeschichte

Sinopsis:

(Recomiendo personalmente que no leáis ni la sinopsis ni ninguna crítica ni veáis el tráiler antes de ver la película, es mucho mejor) En 1913, en vísperas de la Gran Guerra (1914-1918), accidentes inexplicables perturban la tranquila vida de un pueblo protestante del norte de Alemania. 

Crítica: 

La pureza del mal

Fin de la película. Mi corazón parece que esté desesperado por salir disparado de mi pecho. No sé que pensar. No sé que sentir. Tengo miedo, tristeza, odio, estoy en un mar de penumbra. Sé que debo escribir una crítica al instante, aunque no sé por qué. Tampoco sé que voy a decir ni de que forma. Lo estoy haciendo.

Por mucho que le de a mi cabeza no consigo saber el por qué. Cuando llevaba una hora de película no me estaba aburriendo, sin embargo tampoco pasaba nada del todo relevante. Ahí me estaban preparando para lo que vendría después. Viniendo de Haneke no sabía que pensar ya que solamente había visto una de sus películas, "Funny Games", la original. No sabía que vería una película veinte veces más violenta que "Funny Games". No, no es una película "violenta" según el uso clásico de la palabra. Sin embargo, la violencia es el elemento más común de esta cinta.

Un pueblo nevado, es invierno. Todo es blanco. Pureza. La belleza de las imágenes de deslumbran. Cuando sin darte cuenta, tú ya formas parte de ese bello pueblo. Estás jugando con la nieve, luego das un paseo. Por alguna razón estás siguiendo una ruta. Haneke te ha dado un mapa y tú lo vas siguiendo. Observas cada situación que él te dice que observes de la manera que te dice que la observes. Ves a mucha gente diferente. Todos tienen sus manías, todos tienen sus gustos, todos tienen sentimientos. Todos tienen maldad. ¿O puede que no? Parece que en ese pueblo nada es lo que parece. Al observar las situaciones a las que sometidos los personajes te fijas, por alguna razón, en los niños. Te fijas en cada movimiento, cada gesto facial, te fijas y ves cuando uno está mintiendo, cuando otro tiene miedo. Poco a poco te olvidas de la belleza del paisaje. Te dices a ti mismo que la inocencia es la absencia de maldad.

Son las 20:24 y mi corazón sigue desesperado por destrozar mi pecho a base de brutales golpes. Sigo sin saber por qué. Aunque no lo sepa y piense en otras cosas, siento los golpes que da mi corazón. Y vuelvo a pensar en todo ello. Pero sigo sin saber por qué.

Nota: 9,75

Watchmen

Sinopsis:

Estados Unidos, años 80. La Guerra Fría está en su apogeo, y los superhéroes, que antes habían sido admirados, ahora son perseguidos por la ley. Un día aparece muerto uno de ellos, "El Comediante", que trabajaba para la CIA. Su amigo Rorschach, el único héroe enmascarado en activo, emprenderá la investigación de su muerte, tras la que se oculta algo muy importante. Esperadísima adaptación del cómic de Alan Moore y Dave Gibbons (1986).

Crítica:

Los antihéroes

El polémico y surrealista Zack Snyder hizo algo muy valeroso, se atrevió con un proyecto con el que ni los mismísimos Darren Aronofsky, Terry Gilliam y Paul Greengrass no se atrevieron, puso su par de pelotas encima de la mesa y se puso a crear esa magnífica joya cinematográfica llamada "Watchmen".

Me cuesta entender las críticas negativas hacia esta película, la verdad. Lo único que comprendo es que digan que es demasiado larga (reconozco que ganaría con unos minutos menos, sin embargo tampoco no resulta demasiado molesta esa longitud del metraje). A parte de eso, repito que no lo comprendo. Estéticamente es perfecta, de forma indiscutible, tiene una fotografía sombría y decadente, justo como debe ser en este caso; tiene unos efectos especiales destacables, eso tampoco lo puede dudar nadie; y que nadie me hable de la banda sonora, para mí intocable.

Respecto al contenido de la obra, tengo entendido que es bastante fiel al cómic (el cual aún no he leído, pecador de mí), tiene un guión más que sobresaliente, aunque eso sí, extremadamente complejo, increíble. Por eso comprendo la duración de la película, he visto muy pocas películas donde los personajes tengan tanta personalidad, todos son especiales, todos son diferentes, todos tienen su carácter, perturbable o no, todos tienen sus "creencias", todos tienen filosofía propia, por eso la película resulta tan compleja, porque cada personaje te sumerge en un mundo completamente diferente.

Cuando estás con el Búho Nocturno estás con una persona tímida, cerrada en sus propios recuerdos, intentando ser "normal" para poder no destacar, aunque siempre con miedo encima, por lo tanto te encuentras en un mundo pasivo, suficientemente bondadoso y tranquilo, pero con miedo, siempre con miedo.

Cuando estás con Rorschach estás con una persona despiadada, prácticamente con un psicópata, pero con mucha personalidad, una persona completamente aferrada a su máscara, estando con él el mundo resulta un basurero, unas alcantarillas donde todos son ratas, donde todo es violencia, prostitución y crimen, lleno de monstruos que aparentan ser seres humanos.

Cuando estás con el Doctor Manhattan estás con una persona omnipotente, sabia, extremadamente mística y siempre con una cierta bondad, con él el mundo no es más que tierra con seres vivos, pero de ínfima importancia, estás en un sitio que no significa nada en medio de ese universo, insignificante.

Cuando estás con El Comediante estás con una persona sin moral alguna, con una personalidad nihilista y sin ninguna clase de compasión, en un mundo donde todo es una gran broma, donde nada tiene sentido alguno y donde nada representa nada.

Cuando estás con Ozymandias estás con una persona de carácter condescendiente, con una persona inteligente, que busca el bien de la humanidad con su amplio conocimento y su intelecto superior, aunque de carácter utilitarista, en su mundo nada es demasiado bueno para la humanidad, en ese mundo todo debe ser sostenible, equilibrado.

Cuando estás con Espectro de Seda estás con una persona bondadosa, relativamente inocente y compasiva, de buen corazón, su mundo es el mundo más humano que se puede ver en todo el universo de "Watchmen", es un mundo donde sencillamente pasan cosas buenas y cosas malas.

Aunque quizás me haya excedido con esta pequeña aclaración, es algo muy importante en la película, los personajes y como cada uno resuelve a su manera cada situación que se le presenta.

En resumen, en esta película encontrarás filosofía, acción electrizante, mucha cruda violencia, una considerable cantidad de sexualidad, un sentido del humor muy oscuro y mucha belleza de carácter pesimista.

Nota: 8,75

Blow-Up (Deseo de una mañana de verano) - Blow-Up (Blowup)

Sinopsis:

Adaptación de un cuento de Julio Cortázar que narra la historia de un fotógrafo que, tras realizar unas tomas en un parque londinense, descubre al revelarlas una forma irreconocible que resulta ser un cadáver. Premiada en el Festival de Cannes con la Palma de Oro.

Crítica:

Curioso pseudothriller

Es la tercera vez que edito esta crítica, la primera vez que la escribí, estaba bastante atónito ante lo que acababa de ver, en parte algo insatisfecho, a pesar de que mi opinión no ha variado demasiado, me parece que debo cambiar algo de esta crítica. Al fin y al cabo, todos tienen derecho a opinar, ¿no? Esta rareza se puede reducir a el concepto de lo implícito, lo sugestivo, lo subjetivo, nunca pasa nada, solo pasa lo que el espectador cree que está pasando, eso es lo curioso de la película, el caso es que se puede ver de varias formas dependiendo siempre de quién la ve.

Existe aquella gente que ve cine para evadirse de la realidad, que sencillamente buscan entretenimiento. A esos, mejor que no vean esa película. Existe otro tipo de gente que son aquellos que ven el cine como arte y quieren desvelar lo que el cine significa. Esos son cinéfilos y es mejor que no vean esta película. Existen otro tipo de personas que son las que ven el cine como su pasión y que son capaces de ver una película una vez y otra vez para poder desvelar cada guiño, cada insinuación, cada metáfora. Esos, amigos míos, son los famosos gafapastas, y si ven la película les pueden pasar dos cosas: que no les guste y digan que les ha encantado para simular su gafapastismo o puede que realmente vean lo que hay en ella y suban al siguiente nivel, el ultragafapastismo. Los ultragafapastas son aquellos que cada palabra en el cine tiene otro sentido para ellos, cada imagen desvela toda una trama, cada insinuación es una cascada de dobles sentidos. Que conste que no estoy insultando a ninguno de ellos.

Hasta ayer, yo solía decantarme entre el ser un cinéfilo y ser un gafapastas (dependiendo de la película, mi gafapastismo se daba a conocer cuando veía películas de Bergman o "Annie Hall", etc.), pero al ver esta película vi que hay cosas por las que es mejor no pasar, la película, si te riges a ella, no tiene un propósito ni un fin, sencillamente ocurre y se supone que "cada espectador tiene que ver lo que quiere ver". Pero esta película es la gota que colma el vaso. Un día haré una película que tratará de 90 minutos como un chico está en una fiesta y se pasa intentando ligar con todas y todas la rechazan, cuando la última de la fiesta le rechaza, el se va. Que gran película, ¿no, señoras y señores?

Resumiré mi absurda crítica diciendo que es amena, sinsentido y pretenciosa, aunque interesante en el planteamiento y desarrollo y siempre con pretensiones pseudointelectualoides, aunque muy bien rodada.

Nota: 6

El lado bueno de las cosas - Silver linings playbook

Sinopsis:

Tras pasar ocho meses en una institución mental por agredir al amante de su mujer, Pat (Bradley Cooper) vuelve con lo puesto a vivir en casa de sus padres (Robert De Niro y Jacki Weaver). Determinado a tener una actitud positiva y recuperar a su ex-mujer, el mundo de Pat se pone del revés cuando conoce a Tiffany (Jennifer Lawrence), una chica con ciertos problemas y no muy buena fama en el barrio. A pesar de su mutua desconfianza inicial, entre ellos pronto se desarrollará un vínculo muy especial que les ayudará a encontrar en sus vidas el lado bueno de las cosas.

Crítica:

Excelsior (El lado bueno de la locura)

Ante nada hay que aclarar que estamos ante una buena película, una película que tiene un gran mérito y que merece un buen reconocimiento y respeto por haber conseguido distinguirse de las demás comedias dramáticas románticas (que últimamente hay millares) y encontrar su luz propia. Dentro de esas alabanzas también hay que aclarar que es una exageración que tenga tantas nominaciones a los Oscars.

Resulta curioso como Jennifer Lawrence ha pasado de ser una niñita en "Winter's bone" a ser em dos años una zorra veinteañera (casi le podrias dar 30 cuidados, será por el pelo que le suma 10 años).

Una vez aclarado eso vamos con la película. "El lado bueno de las cosas" tiene muy buenos ingredientes: unos reparto notable, un buen director (conocido por "The Fighter", a pesar de que tiene otra obra para mí increíblemente infravalorada, la extravagante "Tres reyes"), un guión sólido (aunque con algún importante tópico, todo sea dicho) y un montaje "a lo indie", algo que siempre se agradece si no es tu mejor día. Se han sabido aprovechar los ingredientes y Russell ha sabido diferenciarse para crear algo que muy pocos consiguen, conseguir transmitir sentimientos, no es muy fácil empatizar con una pantalla, sin embargo él lo consigue mediante una extraña fórmula: dos "locos", incomprendidos por la sociedad que se encuentran en medio del mundo, se enamoran, pero pretenden ignorarlo como les sea posible.

A pesar de que el final pierde un poco debido a que se vuelve tópico y empalagoso, la película esta muy bien desarrollada, llena de situaciones que te arrancarán una sonrisa o una lágrima. Tengo que reconocer que a Bradley Cooper lo tengo poco visto, habrá que ver más películas suyas ya que hay que reconocer que lo hace bien, en cuanto a Jennifer Lawrence se puede aplicar más o menos lo mismo, no recordaba haber visto una sola película suya hasta la fecha, y sí me sorprendió su forma de actuar (además de otras cosas, que fea no es). Hay que decir que hay alguna que otra escena que podrían quitar para hacer la película más corta, quizás hay demasiado relleno. Sin embargo también hay que decir que tiene algunas escenas realmente destacables. Digna de mención la química que hay entre los dos protagonistas, no me refiero a que sea muy buena, pero sí es diferente a lo normal, normalmente o hay una buena química o hay una mala química, pero en este caso es diferente, en cierta parte se ve algo forzada pero por otra parte muy natural, indescriptible.

Y yo me pregunto, para que negar un par de horas de puro entretenimiento romántico, así sin más, no veo ninguna razón para no verla, aunque repito, tampoco no hay que sobrevalorar, no está al nivel de los Oscars. Sin embargo quiero que quede claro algo: vale la pena.

Nota: 7,75

Django desencadenado - Django unchained

Sinopsis:

Dos años antes de estallar la Guerra Civil Americana (1861-1865), King Schultz (Christophe Waltz), un cazarrecompensas alemán que le sigue la pista a unos asesinos, le promete al esclavo de color Django (Jamie Foxx) dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos. Terminado con éxito el trabajo, Django prefiere seguir al lado del alemán y ayudarle a capturar a los delincuentes más buscados del Sur. Se convierte así en un experto cazador de recompensas, pero su único objetivo es rescatar a su esposa Broomhilda (Kerry Washington), a la que perdió por culpa del tráfico de esclavos. La búsqueda llevará a Django y a Schultz hasta Calvin Candie (Leonardo DiCaprio), el malvado propietario de la plantación "Candyland". La presencia de ambos en los alrededores de la propiedad, despierta las sospechas de Stephen (Samuel L. Jackson), el esclavo de confianza de Candie.

Crítica:

La leyenda de Django, un hombre libre

Brillante western al más puro estilo clásico. Tarantino consigue homenajear de forma perfecta el spaguetti western. "Django desencadenado" es una película que se asemeja mucho a "Malditos bastardos", un inicio absolutamente demoledor, un desarrollo notable y un tramo final sencillamente perfecto.

El niño malo de Hollywood vuelve a sus andadas con esta magnífica película, enormemente entretenida a pesar de su duración, de guión aparentemente sencillo aunque de alta calidad, con unas actuaciones principales sencillamente magistrales (perfecto Cristoph Waltz, para variar) y dirigida por la sádica y macabra mano de Tarantino, que proporciona intriga y dramatismo durante todo el transcurso del filme y consigue sacarte más de una sonrisa en el momento menos esperado con su ácido sentido del humor.

Al más puro estilo de Tarantino, no le falta violencia, sangrienta, abundante y excesiva, nada que no se esperaba de la oveja negra de Hollywood. Consigue que sus casi tres horas de metraje se pasen como si fueran apenas una hora y media.

Que se puede decir de esta nueva obra maestra de Quentin Tarantino, posee todos los elementos necesarios para ser disfrutada al cien por cien, sencillamente es una obra irrepetible en todos los sentidos, completamente única.

Con tan solo los títulos de crédito ya puedes ver que no te vas a llevar ninguna decepción, con ese magnífico inicio, ese cínico Cristoph Waltz te atrapa como un agujero negro y te emociona y te consigue hacer reír en solo un par de minutos.

No es que haya demasiados tiroteos, sin embargo cuando sale uno a la pantalla se presencia algo grandioso, violento y sangriento, emocionante, absolutamente maravilloso para la vista y los oídos.

Me cuesta creer que haya gente que diga que está perdiendo el ritmo, esa esencia Tarantiniana que desprendía en sus primeras películas, este es un director que sabe conservarse de forma espectacular, cuando hace algo lo hace a su manera (es decir, de forma brillante).

No dudes ni un segundo si vale la pena estar viendo una pantalla durante tres horas, ni siquiera lo pienses, si decides verla (como debe ser), estés seguro de que pasaras tres horas emocionantes y brillantes.

Sin duda resulta divertido como Tarantino caricaturiza los personajes hasta un extremo insospechado, hasta el extremo que todos tienen su gracia, hasta el más cabrón de todos, no sobra ningún personaje, no falta ningún personaje, todos aportan su toque ideal. Sencillamente no te la puedes perder.

Nota: 8

La pasión de Cristo - The passion of the Christ

Sinopsis:

Año 30 de nuestra era. En la provincia romana de Judea, un misterioso carpintero llamado Jesús de Nazareth comienza a anunciar la llegada del "reino de Dios" y se rodea de un grupo de humildes pescadores: los Apóstoles. Durante siglos, el pueblo judío había esperado la llegada del Mesías - personaje providencial que liberaría su sagrada patria e instauraría un nuevo orden basado en la justicia-. Las enseñanzas de Jesús atraen a una gran multitud de seguidores que lo reconocen como el Mesías. Alarmado por la situación, el Sanedrín, con la ayuda de Judas Iscariote, uno de los doce Apóstoles, arresta a Jesús. Acusado de traición a Roma, Cristo es entregado a Poncio Pilato, quien, para evitar un motín, lo condena a a morir en la cruz como un vulgar criminal.

Crítica:

Como Mel Gibson abusó de su increíble talento

Ayer finalmente pude ver la película, si la vi fue por dos razones: porque la calificaban como única y mística y por el morbo de su publicidad sobre lo violenta que llegaba a ser, siendo considerada por varios como una de las películas más violentas de la historia. Después de haberlo visto puedo afirmar lo siguiente:

Si eres cristiano creyente puede parecerte una obra superior a toda película hecha, o puede parecerte una auténtica aberración, eso mientras la veas con ojos de cristiano creyente.

Si eres judío puedes verla y calificarla tal y como es o dejarte llevar por el supuesto antisemitismo de la película y criticarla hasta quedarte sin aliento.

Si no eres ninguna de las dos cosas puede gustarte o no, que te deje maravillado o que te parezca un bodrio, al igual que puedes encontrarla interesante, entretenida o cualquier otro adjetivo.

Mi caso, como ateo, es que me ha parecido una historia magníficamente filmada por una firme mano de Mel Gibson, como demostró con "Braveheart" o en "Apocalypto", pero también ha demostrado que, al igual que en "Apocalypto", se ha dejado llevar por su enorme pretensión de ser un director polémico y alabado allá donde vaya, ese afán pudo con él.

Su primera película, "El hombre sin rostro" (la cual no he visto) parece una película sencilla, por lo que he oído, no muy buena, aunque sin demasiada pretensión y con buen corazón.

Su segunda película, "Braveheart" ya mostró un immenso afán de epicismo, que junto con una buena dosis de violencia, formaran una película dura, aunque al fin y al cabo, "por una buena causa", es decir, con la excusa de mostrar de forma realista el afán de independencia escocés respecto a Inglaterra, esa fue una gran película.

Luego se pasó casi diez años con los humos subiéndosele a la cabeza poco a poco hasta explotar y ponerse a dirigir una película sobre las últimas horas de Jesucristo, pero esta vez de forma totalmente descarnada, con la intención de mostrar lo que nadie se ha atrevido a mostrar, a Jesucristo sufriendo de una forma brutal e innecesaria, llevado por su muy profunda creencia religiosa (es un declarado homófobo, y muchos le consideran antisemita). Aquí cruzó la línea. Volvió a demostrar un buen pulso y una mano firme a la hora de dirigir, mostrando auténtico talento, sin embargo lo hizo creyéndose un dios, y por lo tanto, con la máxima pretenciosidad posible, creyéndose con la capacidad de embellecer todo aquello que toca, incluyendo la más sádica de las violencias. Lo que consiguió de esto fue dinero, mucho dinero, y reputación, una reputación como polémico, aunque por una parte denostado, por otra parte alabado como el dios que el se creía.

Con la cuarta película, "Apocalypto" solo quedó una pequeña parte de él, el pulso para dirigir, aunque con el mismo afán de ser gratuito (o polémico) y de embellecer todo pasaje de forma descarada, esa tampoco consiguió encandilarme en absoluto, aunque si consiguió encandilar a los críticos, calificandolo como un magnífico director, al igual que polémico, con lo que Gibson quedó satisfecho, al menos de momento.

No es recomendable ver esta película, a no ser que estés completamente dispuesto.

Nota: 4,25

Los miserables - Les misérables

Sinopsis:

El expresidiario Jean Valjean (Hugh Jackman) es perseguido durante décadas por el despiadado policía Javert (Russell Crowe). Cuando Valjean accede a cuidar a Cosette, la pequeña hija de Fantine (Anne Hathaway), sus vidas cambiarán para siempre. Adaptación cinematográfica del famoso musical 'Les miserables', a su vez basado en la novela homónima de Victor Hugo, y completamente cantada.

Crítica:

Su espectacularidad nubla su juicio

"Los miserables" es, sin duda alguna, una obra de lo más pretenciosa. La película busca en todo momento emocionar al espectador, que se sienta dentro de la película, pretende con todos los medios posibles ganarse el corazón de quién la esté viendo. Lo cierto es que yo creía que era un musical corriente, es decir, van charlando todo el rato y de vez en cuando se ponen a cantar, lo que no sabía era que se pasaban absolutamente todo el rato (menos tres o cuatro frases cortas). También una mención especial a los subtítulos, absolutamente penosos, incluso un niño de dieciséis años como yo se ha dado cuenta de eso, en muchas ocasiones quitan el sentido de la película (en varias ocasiones traduciendo a lo puramente literal) y en otras sencillamente eliminan palabras, si en VO dicen dos adjetivos para describir una cosa, en los subtítulos solo ponen uno, absolutamente patético. Pero ahora vayamos por partes.

Para empezar, las actuaciones, muy alabadas por todos lados (sobretodo Jackman y por lo que he visto también Hathaway). Ante todo quiero expresar que no entiendo las "malas críticas" a Russell Crowe, que si no tiene buena voz, que si no actúa demasiado bien, que si queda eclipsado por los demas actores, pues bien, a mí me ha parecido de las mejores actuaciones de la película y también sin duda la voz más potente (y también de las que más me ha gustado) de la película. Sin duda las demás actuaciones también son de calidad, notable la actuación de Jackman, que la verdad es que nunca le tuve como un buen actor debido a la saga "X-Men"; buena actuación de Amanda Seyfried, con la que me pasó lo mismo que con Jackman al haberla visto en "Mamma mia" (y por cierto, menuda voz que tiene) y secundarios de calidad (destacando a la pareja Sacha Baron Cohen/Helena Bonham Carter). Punto aparte merece la actuación de Hathaway, que dicen que es espléndida, pero que a mí me ha parecido exagerada, sin duda es el papel que más lágrimas busca de forma descarada.

Vamos con otra cosa, aunque seré más breve: la adaptación. Esta película no debería existir, no porque sea muy mala, sino porque no está hecha para ser cine, en todo momento se nota, no demasiado teatral, ya que eso me gusta, sino un intento de hacer la obra pero de forma cinematográfica, por eso se ve muy forzada en varias ocasiones, esta novela/obra no estaba hecha para ser cine.

Ahora toca la dirección. Como ya he dicho, la película es enormemente pretenciosa, buscando Oscars por debajo de las piedras, está claro que a Tom Hooper se le han subido los humos después de haber recibido tantas alabanzas por "El discurso del rey", donde por cierto, se lució dirigiendo. Debido a eso, Hooper pretende buscar belleza en cada rincón de la película, abusando de los primeros planos, como todo el mundo dice, y a pesar de que sigue quedando un rastro de lo que hizo en "El discurso del rey", se ha desviado de la carretera mostrando un Tom Hooper bastante irregular en general, buscanto siempre la espectacularidad creyendo que espectacularidad crea emociones, cuando no es así.

Como ya he comentado, "Los miserables" es un auténtico espectáculo visual en cuanto al apartado técnico, a pesar de que, también como he dicho, Hooper busca belleza visual en todas partes, incluso donde no la hay, la película dentro de todo está bien filmada a pesar de que busque la lágrima fácil.

A parte del sentimentalismo barato que se inculca en varias escenas de la película y de lo pretenciosa que llega a ser, la película se puede ver de forma agradable, se puede disfrutar siempre que no estés buscando más de lo que sale en la pantalla. También hay que decir que el par de momentos "graciosos" intercalados con todo el dramatismo deterioran mucho la calidad de la película.

Lo mejor con diferencia: La relación Jackman-Crowe.

Lo peor: Vacía y pretenciosa, buscando belleza donde no la hay.

Nota: 6

Réquiem por un sueño - Requiem for a dream

Sinopsis:

Harry (Jared Leto) y su madre (Ellen Burstyn) tienen sueños muy distintos: ella está permanentemente a dieta esperando el día en que pueda participar en su concurso televisivo preferido; la ambición de Harry y su novia Marion (Jennifer Connelly) es hacerse ricos vendiendo droga y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca tienen el dinero suficiente para ello. A pesar de todo, Harry y Marion no se resignan y harán lo inimaginable para conseguir la vida que anhelan.

Crítica:

Darren me la ha metido hasta el fondo


Siempre, desde que empecé a aficionarme al cine, he afirmado que nunca ninguna película me había afectado seriamente y que nunca ninguna película llegaría a afectarme lo más mínimo. Últimamente esta afirmación iba haciéndose añicos debido a películas como "There will be blood (Pozos de ambición)", "El experimento", "Chinatown", "Incendies", "Revolutionary road" o "Las vírgenes suicidas". Finalmente esta afirmación se fue definitivamente al garete justo ayer. A pesar de que nunca creí que una película pudiera afectarme hasta tal punto, ha pasado, "Réquiem por un sueño" lo ha conseguido, Darren Aronofsky lo ha conseguido, me he traumatizado.

Creía ser plenamente consciente de lo que iba a ver, una película "profundamente depresiva, durísima y perturbadora", pero como tomar en serio estas etiquetas después de ver en que otras películas las han colocado, debí haber hecho caso. Lo curioso es que ayer por la tarde vi "Seven", una película completamente magistral, que me cautivó con su ambiente malsano y macabro y con ese final tan sublime, y pensé "ya tengo mi dosis de perturbación en cine por hoy", sin embargo por la noche vi "Requiem for a dream", lo que destrozó mis planes y que hizo parecer a "Seven" un capítulo de los "Teletubbies".

Solamente su celebrada BSO ya me recuerda la pesadilla que he vivido, sí, la pesadilla que yo he vivido, el infierno al que me he visto arrastrado. Ya había oído y me habían dicho también que esta es la película que hay que pasar a los jóvenes para que no se droguen, yo supuse que tenían razón, pero eso es demasiado cruel, concretamente oí que alguien decía que tendría que pasarse en cuarto de la ESO, no sé quién fue ese cabrón desalmado, a mis 16 años esta es la primera película, no que me supera, que ya ha habido un par, sino que siento que sencillamente no debería haberla visto, que es demasiado dura para mí, que apenas he podido soportarla. No sé qué es peor, si permitir ver esta película a los jóvenes o permitir que se droguen. Al fin hay una película que honra el mítico "No recomendado a menores de 18 años".

Si intento no dejarme llevar tanto por las emociones, sin duda hay que destacas varios aspectos de la película:

-Las actuaciones, todas absolutamente demoledoras, sobresaliendo Ellen Burstyn, que ahora mismo no puedo imaginar como pudo ser la actuación de Julia Roberts para quitarle ese Oscar de las manos.

-La BSO, completamente insuperable, absolutamente épica, que proporciona ese ambiente de desesperación, de depravación, de inhumanidad y de pesadilla que rodea toda la película, de las mejores bandas sonoras de la historia.

-El estilo visual, similar a "Pi (fe en el caos)", aunque el doble de potente, el doble de visceral, con una fotografía oscura y aterradora, pocas veces se ve tal potencia visual en una película. También para resaltar su montaje, en el que cuadra cada historia a la perfección sumiéndote aún más en el propio infierno.

Espero haber dejado claro lo que es esta película: la película más visceral y desesperanzadora de la historia, de esas que si la ves estando depresivo te suicidas al instante en que termina. No esperes una historia agradable, no esperes pasártelo bien, no esperes ver una película dura, espera ver "Réquiem por un sueño", que es lo mismo que decir: prepárate para descender al mismísimo infierno.

Nota: 9,5

Alpha dog

Sinopsis:

Johnny Truelove (Emile Hirsch) es un joven muy rico que vive en un exclusivo barrio de Los Ángeles. En su lujosa casa organiza grandes fiestas rodeado de chicas y de sus amigos. Todo esto es posible gracias a su próspero negocio como traficante de drogas. Sin embargo, esta vida de ensueño se desmorona, y Johnny se verá en la cuerda floja...

Crítica:

El término que todo el mundo teme: "Basado en hechos reales"


Y ahí estaba yo, sentado en el sofá de mi casa, escuchando la escalofriante BSO de "La naranja mecánica", "Funeral of Queen Mary", con mi amigo, el portátil, encima de mi regazo, preparado para escribir una crítica a la infravalorada "Alpha dog".

Para empezar quiero decir que la única película de la "irregular carrera del director Nick Cassavetes" que he visto ha sido "John Q", que me pareció de gran intensidad dramática y con buen pulso, por lo que tenía, de entrada, buenas referencias a la hora de ver "Alpha dog".

Justo al terminar la película (aunque terminé la película cuando serían las cuatro de la madrugada, aproximadamente) empecé a buscar sobre el supuesto "hecho real", ya que me parecía que sería de esos "hechos reales" que sencillamente tenía un ligero parecido a una historia real, pero resultó no ser una vana semejanza con un hecho real, sino un hecho histórico en toda regla. Solo es necesario buscar en Wikipedia, pero no os recomiendo que los busquéis si no la habéis visto (aunque para confirmar la información también busqué en otras páginas, que no hacían más que corroborar lo ya confirmado). Y curiosamente, debajo de su caratula exterior puramente comercial se escondía una de las historias más fielmente adaptadas a la gran pantalla que he visto (aunque tampoco hayan sido muchas), a pesar de lo complicado y lioso de la historia. De hecho, hasta ciertas chorradas que son las que me parecían las más comerciales son reales.

Como en otras muchas ocasiones, creo que es necesario destacar algunas actuaciones: la del protagonista hay que reconocer que es algo floja, pero no es algo extraño debido a su edad; sin duda la que más destacaría es la actuación de uno de los actores más infravalorados de la industria cinematográfica actual, Ben Foster, que cada vez que le veo en pantalla me gusta y me convence más como actor. Me gustaría destacar en especial la actuación de Justin Timberlake, que por lo que veo mucha gente califica su actuación de pésima y no entiendo por qué, ya que me parece que en esta película ofrece lo mejor de sí para dejarnos una actuación más que notable en mi opinión, reconozco que me jode que lo califiquen de mal actor por las buenas.

No puedo negar que es una película algo floja en varios aspectos y que posee varios fallos en su proceso de transmitir el hecho real a la gran pantalla, pero repito, las "fases" por las que pasa la película son reales, al igual que los testigos que se van numerando.

Lo que no se puede negar es que, debido a su ambiente ligero, es una película que resulta muy entretenida, a pesar de lo complicado de la trama, que a mi fue lo que más me sorprendió. Después de leer esta crítica no se si os habré convencido o no de verla (si no la habéis visto ya), sencillamente voy a resumir en tres palabras toda mi crítica: recomiendo su visionado.

Nota: 7,5

El demonio bajo la piel - The killer inside me

Sinopsis:

En 1957, en una pequeña población petrolera situada al oeste de Texas, Lou Ford (Casey Affleck), el ayudante del sheriff, un hombre afable y sencillo, empieza a sufrir los ataques de la enfermedad que le hizo cometer un crimen en su juventud. Adaptación de un clásico de la novela negra moderna, "The Killer Inside Me" (1952), de Jim Thompson, que ya había sido adaptado por Burt Kennedy.

Crítica:

Mefistófeles asomando la cabeza

A pesar de no tener ni una reputación ni unas críticas deslumbrantes, sí que poseía alguna que otra crítica muy halagadora y también una sensación conocida como curiosidad. Como iba diciendo, me había creado expectativas bastante altas de esta película creyendo que iba a ver una infravalorada película muy oscura y bien hecha. Ahora lo lamento.

¿Es una mala película? No especialmente, he visto películas mucho peores que esta. Posee escenas de un considerable valor, pero también muchas otras tediosas, pretenciosas y gratuitas.

Se sustenta en gran parte por la intrigante y potentísima actuación del muy infravalorado Casey Affleck, junto con un reparto competente (entiendo que no es una de las mejores actuaciones de Jessica Alba, pero ¿un Razzie?).

"El demonio bajo la piel" es una película única en todos los sentidos, no recurre a los tópicos en ningún momento (aunque probablemente el hecho de querer ser diferente sea lo que la ha hecho fallar en su intento). Su principal fallo es, sin ninguna duda, el final, forzado y algo ridículo, además de mal rodado, lo cual no ayuda a dejarte con un buen gusto de boca.

No es una película que se pueda considerar "muy violenta", mejor dicho busca un morbo especial a base de ¿azotes en el culo?, eso es lo que aún no entiendo, su obsesión con las escenas de sexo (no muy explícitas, pero sí repetitivas) y su obsesión por los azotes, de lo más gratuito que existe, las escenas de violencia de género también producen una incomodidad considerable, son lo que transmiten ese ligero aire malsano gracias a la actuación de Affleck.

Su principal problema para mí es su falta de intensidad dramática, cuando hay la ocasión de crear una situación dramática, se echa todo a perder (por lo general porque se pone una cancioncilla alegre de fondo que rompe cualquier sentimiento que pueda estar abriendo en ti), eso es lo que más crea el ambiente depravado, la falta de seriedad, lo que, creo yo, no es algo digno de elogiar, si Winterbottom hubiera sabido manejar el dramatismo le hubiera salido un experimento verdaderamente interesante, pero no lo ha conseguido, quedándose así en la franja "interesante pero regular".

Reconozco que, por alguna razón, quería que me gustara esta película, tenía la intención de que me gustara, y no es exactamente que no haya sido así, sin embargo podría haberme gustado mucho más sino hubiera sido por unos cuantos errores puntuales de guión y en parte de montaje, ya que la película empieza demasiado directa en mi opinión, no existe prácticamente un mínimo prólogo, ese fue uno de los elementos que me sorprendieron al principio.

Su gran inconveniente es su irregularidad, puede haber una escena sobresaliente seguida de una muy floja, aunque su mejor parte es el inicio ya que hacia el final es cuando se va desviando hasta el fatídico derrape que la hace estrellarse.

A pesar de lo que he comentado en mi crítica reconozco que en alguna ocasión llegó a perturbarme considerablemente debido a su crudo contenido.

Miradla si os pica la curiosidad (o incluso el morbo), pero es muy probable que os deje con la misma sensación que a mí: interesante pero fallida.

Nota: 5,75

Tengo ganas de ti

Sinopsis:

Secuela de "Tres metros sobre el cielo". La sexy Gin (Clara Lago) es el nuevo amor de Hache (Mario Casas), pero éste no puede olvidar a su antigua novia, Babi (María Valverde). Hache ha vuelto a casa tras pasar una temporada en Londres, alejado del recuerdo imborrable de aquel primer amor. Para poder reconstruir su vida y olvidar el pasado, Gin parece perfecta, pues es una chica de espíritu descarado, efervescente y vital que le hace creer que es posible revivir aquella magia. Pero tarde o temprano tendrá que encontrarse de nuevo con Babi...

Crítica:

Tengo ganas de ti... rarme a mi ex

Hará poco más de una semana miré la tierna y romántica (guiño) "Tres metros sobre el cielo", de la que escribí una crítica especialmente escrita para rebajarla al mismo nivel que un excremento de rata, y lo cierto es que al escribirla me invadió una cierta sensación de satisfacción.
Así que buscando una película para ver me encontré con esta y me picó la curiosidad a ver si cumplía la (casi) eterna regla de las segundas partes por muy improbable que me pareciera en este caso dada la calidad de la primera. Aunque no con creces, la cumplió.

Así que aquí me veis, otra vez aquí sentado para derrochar algo del poco ingenio que tenga para (de nuevo) ridiculizar en este caso la secuela de la anteriormente nombrada, conocida como "Tengo ganas de ti".

Para seguir el esquema de mi crítica a la primera parte, voy a centrarme en subrayar la carencia de potencial de su protagonista, Mario Casas, del que nunca se puede decir nada bueno (a no ser que seas mujer, claro), solamente es necesario decir que me partí de risa como nunca en mi vida cuando al terminar la película salió en la pantalla "equipo artístico" y salió en primer lugar Mario Casas, histórico. Aunque hay que reconocer que en esta segunda entrega los secundarios no son tan pésimos como en la primera (María Valverde se muestra más tolerable en su labor e incluso llegué a pensar que Marina Salas era una buena actriz en alguna ocasión).

A parte de lo nombrado la cosa sigue igual. Sigue siendo patéticamente dedicada a jovencitas de 12 (dios nos salve) a 19 años y alguna que otra cincuentona sin moral alguna (sin ningún ánimo de ofender). Al igual que en mi comentario de su predecesora me veo obligado a remarcar lo triste que es el hecho de que las jóvenes de hoy en día digan que esto es cine y que Mario Casas es un buen actor, algo digno de ser demandado.

El elemento que más me sorprendió (negativamente) fue esa ansia (incluso más descarada que la primera, lo que es deplorable) de americanizar la película con todos los recursos posibles, todo el tema de la niña es algo que me pareció excesivamente innecesario, forzado y exagerado en todos los aspectos, en muchos aspectos busca ser una película americana por muy forzado que parezca (lo del gimnasio de boxeo me pareció uno de los elementos más forzados dada su popularidad por aquí), por no hablar del final, de una pretensión dramática extrema. No hay que ser ningún experto para observar que no hay guión existente en esta película.

Al igual que en su película anterior, forzadamente busca escenas de sexo y desnudos a lo diestro y siniestro e incluso también pretende colar violencia más que gratuita. Sin contar también con el exceso de falso y empalagoso romanticismo, que posee menos sentimientos que los que hay entre yo y mi tostadora.

Al igual que me pasó con su antecesora, me podría pasar horas hablando y dejando por los suelos esta "película", sin embargo mi tiempo es demasiado valioso como para malgastarlo criticando una película que ya ha sido infinitamente criticada y que (espero que) en un futuro va a seguir siendo criticada.

PD: Esta crítica la escribo con todo el respeto y el cariño del mundo hacia la gente a la que le ha gustado la película. Solamente quiero apuntar dos cosas:

1. Aunque os guste no deja de ser un bodrio, incluso más que la anterior, lo que no era fácil.

2. En vez de "Tengo ganas de ti" el título debería haber sido "Tengo ganas de tirarme a mi ex".

Nota: 2,5

Tres metros sobre el cielo (3 metros sobre el cielo)

Sinopsis:

En Barcelona, dos jóvenes que pertenecen a mundos opuestos se conocen. Ella, la dulce Babi (María Valverde), es una chica de clase alta que vive en un entorno tan protegido como poco excitante. Él, Hugo (Mario Casas), conocido como el duro "H", es un chico impulsivo e irresponsable, aficionado a las peleas y a las carreras ilegales de motos. Esta es la crónica de un amor inicialmente imposible que arrastrará a ambos a un frenético viaje iniciático a través del cual descubrirán el amor.

Crítica:

¿Machote o nenaza? 

Se podría reducir en esta pregunta la forma de dividir a la gente que le gusta y a la que no.

Esta es una película de la que me avergüenzo, ¿por qué? Pues por ser tan increíblemente condescendiente con los/las adolescentes, un grupo del que formo parte. No hay discusión posible ante la afirmación de que esta película es un panfleto de la tableta de chocolate de Mario Casas y de las bragas de María Valverde (que tampoco es que sea una Afrodita, con perdón), y la película se reduce a un constante de situaciones absurdas y forzadas para mostrar sus respectivos físicos, es incontable la cantidad de veces que se ve a la protagonista en ropa interior o al Casas sin camiseta, de verdad que es la principal vergüenza de la película (pero no la única, ni mucho menos). Lo más elogiable de la película es como se ha conseguido ganar millones de corazoncillos de jovencitas y que no solamente digan que es una película increíblemente sensible y romántica y que es verdaderamente buena (lo que ya en si se merece una alabanza), sino que además ha conseguido (atención) que defiendan la idea de que Mario Casas es un gran actor (nunca en mi vida había visto que una película fuera capaz de manipular tanto a una persona).

Otra cosa que me avergüenza enormemente es que la película consiguiera estar nominada para los Goya por el mejor guión adaptado, hecho que te suplica que te avergüences de pertenecer a un país en el que pase tal cosa. ¿He dicho ya que Mario Casas es un pésimo actor? Quizás podría conseguir algo en el mundo teatral, donde la mirada no dice nada porque nadie la ve y donde la exageración es la actuación, pero no en el cine, donde una imagen debe transmitir más que mil palabras y resulta imposible que sea así con un actor como Casas de protagonista. También podría hablar de María Valverde, una actriz que sí tiene más madera para actuar que Casas (algo no demasiado difícil), pero que no se luce en una gran actuación, supongo que su cara (con un ligero toque a Sofia Coppola, con esa cara de asco que transmite menos que el aborto de una rata disecada) no consigue lo que pretende, que es encandilar al público.

Se ha quedado como otra "Titanic" (aunque más exagerada, de "Titanic" aún un hombre puede decir que le gusta sin tener que ser un mariquita), aunque sin duda de menor calidad, en casos como este es cuando me avergüenzo de ser un adolescente y de que haya gente de mi edad que crea que es una buena película.

Como ya he comentado, esta película ha sido creada con el objetivo de "guerra de sexos", con el perfecto conocimiento de que sería idolatrada por las millones de jovencitas, mientras sería indudablemente denostada por el género masculino. Por lo que llevo diciendo desde el principio algunos creeréis que lo que quiero decir es "las chicas jóvenes no tienen criterio", pero reconozco que sería incapaz de decir que, por lo contrario, "los chicos jóvenes tienen mucho criterio", ya que me temo que no hay nada más alejado de la realidad, actualmente solamente uno de entre quinientos jóvenes sabe quién es Ingmar Bergman, algo verdaderamente triste.

Algunos podéis pensar que escribo esta crítica con el fin de diferenciarme de los demás "incultos" adolescentes y para remarcar no solamente que soy un machote, sino que además soy más culto e inteligente que los demás; si queréis podéis pensar eso, pero al fin y al cabo yo solamente expreso mi opinión. Yo sabré más de cine y otro sabrá más de literatura, que más da.

Es tan sencillo como decir que esta "película" es un intento de colar romanticismo para colegialas como si fuera una película seria para que además crean que es buena y que no se diferencia de las miles que intentan lo mismo, aunque sencillamente esta consiguió su objetivo con creces mientras que las demás se quedaron atrás.

En resumidas cuentas, que hasta un aficionado al cine como yo me doy cuenta que es un producto empalagosamente comercial y que no puede evitar ser lo que verdaderamente es: un bodrio.

Nota: 2,75

El precio del poder - Scarface

Sinopsis:

Tony Montana es un emigrante cubano frío y sanguinario que se instala en Miami con el propósito de convertirse en un gángster importante. Con la colaboración de su amigo Manny Rivera inicia una fulgurante carrera delictiva con el objetivo de acceder a la cúpula de una organización de narcos.

Crítica:

El fresco aroma del crimen organizado


¿Puedo decir algo que no se haya dicho ya y se haya repetido miles de veces? Me temo que no.

Tengo miedo de escribir esta crítica. Tengo miedo de no estar a la altura de lo que pretendo expresar acerca de esta película. Aún recuerdo cuando, al escuchar la palabra "Scarface" me surgía en la mente esta misma imagen, pero me salía la imagen de la portada de la película porque es la misma que la del juego, que para entonces yo deseaba, a pesar de que sabía que nunca lo tendría por ser un juego algo violento. No puedo creer que fuera tan estúpido. Hasta hace un par de días ni siquiera sabía de la existencia de esa película, me avergüenzo de mi mismo por ello, hará como unos dos años (más o menos) que supe de esta película, sin saber entonces de su grandeza, aunque si sabiendo de su reputación de extremadamente violenta, por lo que sabía que no tendría oportunidad de verla hasta que hubieran pasado unos años (sí, soy muy joven), sin saber que en un futuro se convertiría en una de mis películas favoritas.

"El precio del poder" (para mí debería quedarse en "Scarface", aunque el título está bien elegido) es una obra maestra con clase, de esas irrepetibles por mucho esfuerzo que se haga. Consta de un guión denso, complicado y perfectamente enlazado, este es de los elementos que más me sorprendieron, su intrincado guión se desarrolla de forma sencillamente perfecta. Como no su magnífica banda sonora ayuda de forma espectacular en cada secuencia.

Se merece un parágrafo a parte la actuación de Al Pacino, en mi opinión, completamente sobrehumana (sin desvirtuar las demás interpretaciones, también excelentes). Esta actuación debe quedar como una de las mejores de la historia, casi nunca en mi vida había visto a alguien bordando con tanta perfección y verosimilitud un personaje. Muy importante también verla en versión original ya que es la única forma de maravillarse de la actuación de Al Pacino, el cual se mete en la piel de su personaje (menudo acento cubano) como si de él mismo se tratara.

Hay tantas cosas que podría decir que no tengo ni idea de que decir, no hay palabras suficientes para describir esta obra maestra. En cierto modo hay múltiples similitudes con "El padrino". Tony Montana es el lado oscuro de Michael Corleone, su versión cruda y descarnada, la versión narcisista, autodestructiva y cocainómana de el padrino.

En esta película se dan lugar varias frases que son ya míticas hasta un extremo insospechado entonces ("Say goodbye to the bad guy", "Say hello to my little friend!" ), sin contar que posee una de las escenas más míticas del séptimo arte (ese final se me quedará en la cabeza por mucho tiempo).

Aún no he llegado a asimilar esta obra maestra, sin duda merece un segundo visionado (sobretodo para poder comprender la trama en su totalidad). Siempre tuve la imagen de esta película como una película muy violenta, ese morbo que quiere descubrir si es eso verdad me invadió desde el primer instante (al igual que el de saber que es la película peor hablada de la historia, aunque eso lo supe solo un par de días antes de verla), así que, al fin cuando lo pude ver, estaba todo el rato esperando a que algo sangriento pasara. En la actualidad, la violencia de esa película no es tanta como fue entonces, para entonces fue una verdadera revelación de violencia (ciertamente sí que es violenta, la escena de la moto sierra me impactó bastante), sin embargo, como digo, ahora mismo esa violencia ya es algo casi corriente (digno de mención también, como un ejemplo, el hecho de que "A quemarropa" se considerara muy violenta en esa época, pero ahora tristemente es como un caramelito de fresa, sin contar que la película me pareció plana y monótona, aunque ese ya es otro tema).

Nota: 9,5

Boy A

Sinopsis:

Jack acaba de salir de la cárcel después de pasar la mayor parte de sus 24 años entre rejas por matar a un niño cuando era menor de edad.

Crítica:

La siempre polémica redención


¿Puede una persona que ha arrebatado una vida vivir su propia vida? ¿Tiene el derecho a tener una vida normal? ¿Merece morir? ¿Merece tener una vida seca y desagradable? ¿Tiene el derecho a redimirse? ¿Tiene el derecho de ser feliz?

Esta es una película mucho más profunda y compleja de lo que se presenta, plantea innombrables dudas acerca de la redención de los pecados y de el derecho a vivir a pesar de errores cometidos en el pasado.

Llevo poco más de un año escribiendo críticas. Al principio lo hacía sin pensar, decía "venga, voy a escribir una crítica", seleccionaba una película y me ponía a escribir lo que me salía, poco a poco dejé se hacer eso y empecé a escribir una crítica de casi cada película que iba viendo. Ahora ya no es lo mismo, veo películas y películas, algunas magistrales y algunas no, de las que, por mucho que me hayan gustado no escribo nada acerca de ellas ("Elephant" es el ejemplo más reciente, me fascinó, pero no escribí ninguna crítica), sin embargo siempre hay una película de cada cinco, diez, quince o veinte películas por la que una vez terminada la película, sé desde ese mismo instante que debo escribir una crítica. Esta es un ejemplo de esas películas.

John Crowley me sorprendió hará casi un año con su extraña visión de las relaciones amorosas en "Intermission", sin duda una lúcida visión acerca del amor y las relaciones, fusionando humor, drama, romance y thriller, una combinación que resultó ser enormemente satisfactoria, al igual que también muy desconocida. Pues bien, me encontré con esta película, enormemente desconocida (incluso más que "Intermission", me parece que ni siquiera ha estado doblada al castellano, por lo que no ha sido comercializada en España), con una prometedora historia y un sólido reparto protagonista. Crowley consiguió con pocos medios algo que muy poca gente es capaz de conseguir: una auténtica joya.

Caben destacar varios puntos, como por ejemplo su sobria y preciosa fotografía, las sólidas y excelentes interpretaciones (una emocionante y conmovedora actuación de Andrew Garfield, no me cabe la menor duda y una actuación magistral por parte de Peter Mullan, un actor desaprovechado a pesar de su talento), cabe destacar también su guión y el desarrollo de este, increíblemente original a pesar de su (en parte) tópico planteamiento, donde sabe diferenciarse del resto.

No me cabe la menor duda de que si se hubiera comercializado aquí (como dios manda) hubiera recibido una cálida recepción por parte de la crítica y un aceptable recibimiento por parte del público.

La sensación que tengo ahora respecto a "Boy A" es similar a la que tengo con "Elephant", ambas me parecieron casi perfectas en todo, indiscutiblemente magistrales, no me podrían haber gustado más debido a su estilo algo intimista y personal.

Sencillamente me gustaría que más gente pudiera disfrutar de esta magnífica película, también al igual que "Elephant" me parece improbable que pueda dejar indiferente a alguien.

Uno de los cientos de elementos a su favor (y el más importante) es que en ningún momento llega a recurrir al efectismo, al sentimentalismo barato, no sucumbe ningún momento hasta llegar a ser la película que pretende ser, en ningún momento se trata el tema desde un punto de vista infantil, inmaduro, irracional o utópico, marca las cosas tal y como son, derramándo toda la película en un magnífico final, un final desgarrador y maduro, sin terminar de decantarse por una filosofía propia (a pesar de que sí insinúe su opinión moral). Siempre seria, siempre consecuente, siempre emotiva, siempre siendo "Boy A".

Nota: 9,5