Los miserables - Les misérables

Sinopsis:

El expresidiario Jean Valjean (Hugh Jackman) es perseguido durante décadas por el despiadado policía Javert (Russell Crowe). Cuando Valjean accede a cuidar a Cosette, la pequeña hija de Fantine (Anne Hathaway), sus vidas cambiarán para siempre. Adaptación cinematográfica del famoso musical 'Les miserables', a su vez basado en la novela homónima de Victor Hugo, y completamente cantada.

Crítica:

Su espectacularidad nubla su juicio

"Los miserables" es, sin duda alguna, una obra de lo más pretenciosa. La película busca en todo momento emocionar al espectador, que se sienta dentro de la película, pretende con todos los medios posibles ganarse el corazón de quién la esté viendo. Lo cierto es que yo creía que era un musical corriente, es decir, van charlando todo el rato y de vez en cuando se ponen a cantar, lo que no sabía era que se pasaban absolutamente todo el rato (menos tres o cuatro frases cortas). También una mención especial a los subtítulos, absolutamente penosos, incluso un niño de dieciséis años como yo se ha dado cuenta de eso, en muchas ocasiones quitan el sentido de la película (en varias ocasiones traduciendo a lo puramente literal) y en otras sencillamente eliminan palabras, si en VO dicen dos adjetivos para describir una cosa, en los subtítulos solo ponen uno, absolutamente patético. Pero ahora vayamos por partes.

Para empezar, las actuaciones, muy alabadas por todos lados (sobretodo Jackman y por lo que he visto también Hathaway). Ante todo quiero expresar que no entiendo las "malas críticas" a Russell Crowe, que si no tiene buena voz, que si no actúa demasiado bien, que si queda eclipsado por los demas actores, pues bien, a mí me ha parecido de las mejores actuaciones de la película y también sin duda la voz más potente (y también de las que más me ha gustado) de la película. Sin duda las demás actuaciones también son de calidad, notable la actuación de Jackman, que la verdad es que nunca le tuve como un buen actor debido a la saga "X-Men"; buena actuación de Amanda Seyfried, con la que me pasó lo mismo que con Jackman al haberla visto en "Mamma mia" (y por cierto, menuda voz que tiene) y secundarios de calidad (destacando a la pareja Sacha Baron Cohen/Helena Bonham Carter). Punto aparte merece la actuación de Hathaway, que dicen que es espléndida, pero que a mí me ha parecido exagerada, sin duda es el papel que más lágrimas busca de forma descarada.

Vamos con otra cosa, aunque seré más breve: la adaptación. Esta película no debería existir, no porque sea muy mala, sino porque no está hecha para ser cine, en todo momento se nota, no demasiado teatral, ya que eso me gusta, sino un intento de hacer la obra pero de forma cinematográfica, por eso se ve muy forzada en varias ocasiones, esta novela/obra no estaba hecha para ser cine.

Ahora toca la dirección. Como ya he dicho, la película es enormemente pretenciosa, buscando Oscars por debajo de las piedras, está claro que a Tom Hooper se le han subido los humos después de haber recibido tantas alabanzas por "El discurso del rey", donde por cierto, se lució dirigiendo. Debido a eso, Hooper pretende buscar belleza en cada rincón de la película, abusando de los primeros planos, como todo el mundo dice, y a pesar de que sigue quedando un rastro de lo que hizo en "El discurso del rey", se ha desviado de la carretera mostrando un Tom Hooper bastante irregular en general, buscanto siempre la espectacularidad creyendo que espectacularidad crea emociones, cuando no es así.

Como ya he comentado, "Los miserables" es un auténtico espectáculo visual en cuanto al apartado técnico, a pesar de que, también como he dicho, Hooper busca belleza visual en todas partes, incluso donde no la hay, la película dentro de todo está bien filmada a pesar de que busque la lágrima fácil.

A parte del sentimentalismo barato que se inculca en varias escenas de la película y de lo pretenciosa que llega a ser, la película se puede ver de forma agradable, se puede disfrutar siempre que no estés buscando más de lo que sale en la pantalla. También hay que decir que el par de momentos "graciosos" intercalados con todo el dramatismo deterioran mucho la calidad de la película.

Lo mejor con diferencia: La relación Jackman-Crowe.

Lo peor: Vacía y pretenciosa, buscando belleza donde no la hay.

Nota: 6

Malditos bastardos - Inglorious basterds

Sinopsis:

Segunda Guerra Mundial. Durante la ocupación de Francia por los alemanes, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia por orden del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Después de huir a París, adopta una nueva identidad como propietaria de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) adiestra a un grupo de soldados judíos ("The Basterds") para atacar objetivos concretos. Los hombres de Raine y una actriz alemana (Diane Kruger), que trabaja para los aliados, deben llevar a cabo una misión que hará caer a los jefes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse.

Crítica:

Los bastarditos de Tarantino


Todo empezó una fatídica noche... Quentin estaba un día borracho en un bar con sus amigos, a lo que llegó una tía buena y sus amigos le apostaron 50 pavos a que no conseguía tirarsela. Ahí empezó todo. Quentin se dispuso a soltar todos sus masculinos y perversos encantos para conseguir la apuesta (así es, todo empezó solo por 50 pavos y un poquito de juerga con una zorrita de puritanos modales). Quentin le lanzó toda la artillería pesada y gracias a su agresiva sinceridad se la metió en el bote en un par de minutos. El pobre Tarantino no sabía lo que se le venía encima. La chica le dijo que fuera preparándose en su habitación mientras ella se arreglaba. Cuando ella entró en la habitación, él quedó pasmado. Quedó bastante claro que a esa chica no le iban las cosas normales. Ese fue el inicio de Tarantino.

De esa experiencia salió el Tarantino que se conoce hoy en día. De ahí surgió su famosa pasión por la violencia. Sin embargo, algo más surgió como resultado.

Después de hacer varias películas, resurgió de pronto esa noche. Le visitaron sus bastarditos, fruto de esa noche loca. Debido a las extrañas costumbres de la madre, los hijos no salieron normales: no solo poseían las características propias de Tarantino, sino que poseían la extrema y sádica zorrería de su madre, le amargaron la vida al pobre Tarantino. Tanto que tuvo que poner el título de su nueva película en su honor, de ahí surgieron los "Malditos bastardos".

Ahora pongámonos serios. Reconozco que es mi segunda película de Tarantino, algo que me avergüenza bastante, ya que la otra película que he visto es "Jackie Brown", que por lo que he oído, junto con "Malditos bastardos" es su película menos "tarantiniana".

Después de empezar con un arranque muy potente, se va mostrando poco a poco, bando por bando y situación por situación, las historias que se nos presentan, empezando a hilar el hilo de la trama (que hay que decir que el guión no es lo más potente de la película, aunque tampoco está tan mal), mostrando cada personaje a su manera, todos con un cierto toque de cabrones, todo hay que decirlo. A pesar de que su desarrollo no es su fuerte (aunque posee escenas memorables), tiene un estilo muy especial, con escenas de cinco a veinte minutos, algo no muy visto. Lo que hay que reconocer es su parte final, completamente inmejorable.

Sí la película, a pesar de su larga duración, se pasa rápidamente, es por sus toques momentáneos de humor negro y macabro, junto con sus agitadas escenas violentas, que sin duda aligeran mucho el ambiente. Sin duda lo que más me fascina es su increíble condescendencia de la vida humana, algo parecido había visto con Guy Ritchie, pero no de la misma forma. También hay que destacar su banda sonora (la canción de los créditos iniciales a lo "El padrino" me sorprendió), que también da su toque cómico a la película. Las actuaciones, pues mejores no podrían ser, Christoph Waltz muestra todo su talento concentrado en dos horas y media, lo mismo que Brad Pitt, que hace una caracterización de su personaje sencillamente sublime, la parte cómica de la película no sería nada sin él. Si verdaderamente hay que destacar algo por encima de todo es sin duda su tramo final, sangriento y completamente desternillante, verdaderamente brillante.

PD: Me parto con el acento italiano de Brad Pitt.

Nota: 8,5

Réquiem por un sueño - Requiem for a dream

Sinopsis:

Harry (Jared Leto) y su madre (Ellen Burstyn) tienen sueños muy distintos: ella está permanentemente a dieta esperando el día en que pueda participar en su concurso televisivo preferido; la ambición de Harry y su novia Marion (Jennifer Connelly) es hacerse ricos vendiendo droga y utilizar las ganancias para abrir un negocio propio, pero nunca tienen el dinero suficiente para ello. A pesar de todo, Harry y Marion no se resignan y harán lo inimaginable para conseguir la vida que anhelan.

Crítica:

Darren me la ha metido hasta el fondo


Siempre, desde que empecé a aficionarme al cine, he afirmado que nunca ninguna película me había afectado seriamente y que nunca ninguna película llegaría a afectarme lo más mínimo. Últimamente esta afirmación iba haciéndose añicos debido a películas como "There will be blood (Pozos de ambición)", "El experimento", "Chinatown", "Incendies", "Revolutionary road" o "Las vírgenes suicidas". Finalmente esta afirmación se fue definitivamente al garete justo ayer. A pesar de que nunca creí que una película pudiera afectarme hasta tal punto, ha pasado, "Réquiem por un sueño" lo ha conseguido, Darren Aronofsky lo ha conseguido, me he traumatizado.

Creía ser plenamente consciente de lo que iba a ver, una película "profundamente depresiva, durísima y perturbadora", pero como tomar en serio estas etiquetas después de ver en que otras películas las han colocado, debí haber hecho caso. Lo curioso es que ayer por la tarde vi "Seven", una película completamente magistral, que me cautivó con su ambiente malsano y macabro y con ese final tan sublime, y pensé "ya tengo mi dosis de perturbación en cine por hoy", sin embargo por la noche vi "Requiem for a dream", lo que destrozó mis planes y que hizo parecer a "Seven" un capítulo de los "Teletubbies".

Solamente su celebrada BSO ya me recuerda la pesadilla que he vivido, sí, la pesadilla que yo he vivido, el infierno al que me he visto arrastrado. Ya había oído y me habían dicho también que esta es la película que hay que pasar a los jóvenes para que no se droguen, yo supuse que tenían razón, pero eso es demasiado cruel, concretamente oí que alguien decía que tendría que pasarse en cuarto de la ESO, no sé quién fue ese cabrón desalmado, a mis 16 años esta es la primera película, no que me supera, que ya ha habido un par, sino que siento que sencillamente no debería haberla visto, que es demasiado dura para mí, que apenas he podido soportarla. No sé qué es peor, si permitir ver esta película a los jóvenes o permitir que se droguen. Al fin hay una película que honra el mítico "No recomendado a menores de 18 años".

Si intento no dejarme llevar tanto por las emociones, sin duda hay que destacas varios aspectos de la película:

-Las actuaciones, todas absolutamente demoledoras, sobresaliendo Ellen Burstyn, que ahora mismo no puedo imaginar como pudo ser la actuación de Julia Roberts para quitarle ese Oscar de las manos.

-La BSO, completamente insuperable, absolutamente épica, que proporciona ese ambiente de desesperación, de depravación, de inhumanidad y de pesadilla que rodea toda la película, de las mejores bandas sonoras de la historia.

-El estilo visual, similar a "Pi (fe en el caos)", aunque el doble de potente, el doble de visceral, con una fotografía oscura y aterradora, pocas veces se ve tal potencia visual en una película. También para resaltar su montaje, en el que cuadra cada historia a la perfección sumiéndote aún más en el propio infierno.

Espero haber dejado claro lo que es esta película: la película más visceral y desesperanzadora de la historia, de esas que si la ves estando depresivo te suicidas al instante en que termina. No esperes una historia agradable, no esperes pasártelo bien, no esperes ver una película dura, espera ver "Réquiem por un sueño", que es lo mismo que decir: prepárate para descender al mismísimo infierno.

Nota: 9,5

Alpha dog

Sinopsis:

Johnny Truelove (Emile Hirsch) es un joven muy rico que vive en un exclusivo barrio de Los Ángeles. En su lujosa casa organiza grandes fiestas rodeado de chicas y de sus amigos. Todo esto es posible gracias a su próspero negocio como traficante de drogas. Sin embargo, esta vida de ensueño se desmorona, y Johnny se verá en la cuerda floja...

Crítica:

El término que todo el mundo teme: "Basado en hechos reales"


Y ahí estaba yo, sentado en el sofá de mi casa, escuchando la escalofriante BSO de "La naranja mecánica", "Funeral of Queen Mary", con mi amigo, el portátil, encima de mi regazo, preparado para escribir una crítica a la infravalorada "Alpha dog".

Para empezar quiero decir que la única película de la "irregular carrera del director Nick Cassavetes" que he visto ha sido "John Q", que me pareció de gran intensidad dramática y con buen pulso, por lo que tenía, de entrada, buenas referencias a la hora de ver "Alpha dog".

Justo al terminar la película (aunque terminé la película cuando serían las cuatro de la madrugada, aproximadamente) empecé a buscar sobre el supuesto "hecho real", ya que me parecía que sería de esos "hechos reales" que sencillamente tenía un ligero parecido a una historia real, pero resultó no ser una vana semejanza con un hecho real, sino un hecho histórico en toda regla. Solo es necesario buscar en Wikipedia, pero no os recomiendo que los busquéis si no la habéis visto (aunque para confirmar la información también busqué en otras páginas, que no hacían más que corroborar lo ya confirmado). Y curiosamente, debajo de su caratula exterior puramente comercial se escondía una de las historias más fielmente adaptadas a la gran pantalla que he visto (aunque tampoco hayan sido muchas), a pesar de lo complicado y lioso de la historia. De hecho, hasta ciertas chorradas que son las que me parecían las más comerciales son reales.

Como en otras muchas ocasiones, creo que es necesario destacar algunas actuaciones: la del protagonista hay que reconocer que es algo floja, pero no es algo extraño debido a su edad; sin duda la que más destacaría es la actuación de uno de los actores más infravalorados de la industria cinematográfica actual, Ben Foster, que cada vez que le veo en pantalla me gusta y me convence más como actor. Me gustaría destacar en especial la actuación de Justin Timberlake, que por lo que veo mucha gente califica su actuación de pésima y no entiendo por qué, ya que me parece que en esta película ofrece lo mejor de sí para dejarnos una actuación más que notable en mi opinión, reconozco que me jode que lo califiquen de mal actor por las buenas.

No puedo negar que es una película algo floja en varios aspectos y que posee varios fallos en su proceso de transmitir el hecho real a la gran pantalla, pero repito, las "fases" por las que pasa la película son reales, al igual que los testigos que se van numerando.

Lo que no se puede negar es que, debido a su ambiente ligero, es una película que resulta muy entretenida, a pesar de lo complicado de la trama, que a mi fue lo que más me sorprendió. Después de leer esta crítica no se si os habré convencido o no de verla (si no la habéis visto ya), sencillamente voy a resumir en tres palabras toda mi crítica: recomiendo su visionado.

Nota: 7,5

El demonio bajo la piel - The killer inside me

Sinopsis:

En 1957, en una pequeña población petrolera situada al oeste de Texas, Lou Ford (Casey Affleck), el ayudante del sheriff, un hombre afable y sencillo, empieza a sufrir los ataques de la enfermedad que le hizo cometer un crimen en su juventud. Adaptación de un clásico de la novela negra moderna, "The Killer Inside Me" (1952), de Jim Thompson, que ya había sido adaptado por Burt Kennedy.

Crítica:

Mefistófeles asomando la cabeza

A pesar de no tener ni una reputación ni unas críticas deslumbrantes, sí que poseía alguna que otra crítica muy halagadora y también una sensación conocida como curiosidad. Como iba diciendo, me había creado expectativas bastante altas de esta película creyendo que iba a ver una infravalorada película muy oscura y bien hecha. Ahora lo lamento.

¿Es una mala película? No especialmente, he visto películas mucho peores que esta. Posee escenas de un considerable valor, pero también muchas otras tediosas, pretenciosas y gratuitas.

Se sustenta en gran parte por la intrigante y potentísima actuación del muy infravalorado Casey Affleck, junto con un reparto competente (entiendo que no es una de las mejores actuaciones de Jessica Alba, pero ¿un Razzie?).

"El demonio bajo la piel" es una película única en todos los sentidos, no recurre a los tópicos en ningún momento (aunque probablemente el hecho de querer ser diferente sea lo que la ha hecho fallar en su intento). Su principal fallo es, sin ninguna duda, el final, forzado y algo ridículo, además de mal rodado, lo cual no ayuda a dejarte con un buen gusto de boca.

No es una película que se pueda considerar "muy violenta", mejor dicho busca un morbo especial a base de ¿azotes en el culo?, eso es lo que aún no entiendo, su obsesión con las escenas de sexo (no muy explícitas, pero sí repetitivas) y su obsesión por los azotes, de lo más gratuito que existe, las escenas de violencia de género también producen una incomodidad considerable, son lo que transmiten ese ligero aire malsano gracias a la actuación de Affleck.

Su principal problema para mí es su falta de intensidad dramática, cuando hay la ocasión de crear una situación dramática, se echa todo a perder (por lo general porque se pone una cancioncilla alegre de fondo que rompe cualquier sentimiento que pueda estar abriendo en ti), eso es lo que más crea el ambiente depravado, la falta de seriedad, lo que, creo yo, no es algo digno de elogiar, si Winterbottom hubiera sabido manejar el dramatismo le hubiera salido un experimento verdaderamente interesante, pero no lo ha conseguido, quedándose así en la franja "interesante pero regular".

Reconozco que, por alguna razón, quería que me gustara esta película, tenía la intención de que me gustara, y no es exactamente que no haya sido así, sin embargo podría haberme gustado mucho más sino hubiera sido por unos cuantos errores puntuales de guión y en parte de montaje, ya que la película empieza demasiado directa en mi opinión, no existe prácticamente un mínimo prólogo, ese fue uno de los elementos que me sorprendieron al principio.

Su gran inconveniente es su irregularidad, puede haber una escena sobresaliente seguida de una muy floja, aunque su mejor parte es el inicio ya que hacia el final es cuando se va desviando hasta el fatídico derrape que la hace estrellarse.

A pesar de lo que he comentado en mi crítica reconozco que en alguna ocasión llegó a perturbarme considerablemente debido a su crudo contenido.

Miradla si os pica la curiosidad (o incluso el morbo), pero es muy probable que os deje con la misma sensación que a mí: interesante pero fallida.

Nota: 5,75

Tengo ganas de ti

Sinopsis:

Secuela de "Tres metros sobre el cielo". La sexy Gin (Clara Lago) es el nuevo amor de Hache (Mario Casas), pero éste no puede olvidar a su antigua novia, Babi (María Valverde). Hache ha vuelto a casa tras pasar una temporada en Londres, alejado del recuerdo imborrable de aquel primer amor. Para poder reconstruir su vida y olvidar el pasado, Gin parece perfecta, pues es una chica de espíritu descarado, efervescente y vital que le hace creer que es posible revivir aquella magia. Pero tarde o temprano tendrá que encontrarse de nuevo con Babi...

Crítica:

Tengo ganas de ti... rarme a mi ex

Hará poco más de una semana miré la tierna y romántica (guiño) "Tres metros sobre el cielo", de la que escribí una crítica especialmente escrita para rebajarla al mismo nivel que un excremento de rata, y lo cierto es que al escribirla me invadió una cierta sensación de satisfacción.
Así que buscando una película para ver me encontré con esta y me picó la curiosidad a ver si cumplía la (casi) eterna regla de las segundas partes por muy improbable que me pareciera en este caso dada la calidad de la primera. Aunque no con creces, la cumplió.

Así que aquí me veis, otra vez aquí sentado para derrochar algo del poco ingenio que tenga para (de nuevo) ridiculizar en este caso la secuela de la anteriormente nombrada, conocida como "Tengo ganas de ti".

Para seguir el esquema de mi crítica a la primera parte, voy a centrarme en subrayar la carencia de potencial de su protagonista, Mario Casas, del que nunca se puede decir nada bueno (a no ser que seas mujer, claro), solamente es necesario decir que me partí de risa como nunca en mi vida cuando al terminar la película salió en la pantalla "equipo artístico" y salió en primer lugar Mario Casas, histórico. Aunque hay que reconocer que en esta segunda entrega los secundarios no son tan pésimos como en la primera (María Valverde se muestra más tolerable en su labor e incluso llegué a pensar que Marina Salas era una buena actriz en alguna ocasión).

A parte de lo nombrado la cosa sigue igual. Sigue siendo patéticamente dedicada a jovencitas de 12 (dios nos salve) a 19 años y alguna que otra cincuentona sin moral alguna (sin ningún ánimo de ofender). Al igual que en mi comentario de su predecesora me veo obligado a remarcar lo triste que es el hecho de que las jóvenes de hoy en día digan que esto es cine y que Mario Casas es un buen actor, algo digno de ser demandado.

El elemento que más me sorprendió (negativamente) fue esa ansia (incluso más descarada que la primera, lo que es deplorable) de americanizar la película con todos los recursos posibles, todo el tema de la niña es algo que me pareció excesivamente innecesario, forzado y exagerado en todos los aspectos, en muchos aspectos busca ser una película americana por muy forzado que parezca (lo del gimnasio de boxeo me pareció uno de los elementos más forzados dada su popularidad por aquí), por no hablar del final, de una pretensión dramática extrema. No hay que ser ningún experto para observar que no hay guión existente en esta película.

Al igual que en su película anterior, forzadamente busca escenas de sexo y desnudos a lo diestro y siniestro e incluso también pretende colar violencia más que gratuita. Sin contar también con el exceso de falso y empalagoso romanticismo, que posee menos sentimientos que los que hay entre yo y mi tostadora.

Al igual que me pasó con su antecesora, me podría pasar horas hablando y dejando por los suelos esta "película", sin embargo mi tiempo es demasiado valioso como para malgastarlo criticando una película que ya ha sido infinitamente criticada y que (espero que) en un futuro va a seguir siendo criticada.

PD: Esta crítica la escribo con todo el respeto y el cariño del mundo hacia la gente a la que le ha gustado la película. Solamente quiero apuntar dos cosas:

1. Aunque os guste no deja de ser un bodrio, incluso más que la anterior, lo que no era fácil.

2. En vez de "Tengo ganas de ti" el título debería haber sido "Tengo ganas de tirarme a mi ex".

Nota: 2,5

Tres metros sobre el cielo (3 metros sobre el cielo)

Sinopsis:

En Barcelona, dos jóvenes que pertenecen a mundos opuestos se conocen. Ella, la dulce Babi (María Valverde), es una chica de clase alta que vive en un entorno tan protegido como poco excitante. Él, Hugo (Mario Casas), conocido como el duro "H", es un chico impulsivo e irresponsable, aficionado a las peleas y a las carreras ilegales de motos. Esta es la crónica de un amor inicialmente imposible que arrastrará a ambos a un frenético viaje iniciático a través del cual descubrirán el amor.

Crítica:

¿Machote o nenaza? 

Se podría reducir en esta pregunta la forma de dividir a la gente que le gusta y a la que no.

Esta es una película de la que me avergüenzo, ¿por qué? Pues por ser tan increíblemente condescendiente con los/las adolescentes, un grupo del que formo parte. No hay discusión posible ante la afirmación de que esta película es un panfleto de la tableta de chocolate de Mario Casas y de las bragas de María Valverde (que tampoco es que sea una Afrodita, con perdón), y la película se reduce a un constante de situaciones absurdas y forzadas para mostrar sus respectivos físicos, es incontable la cantidad de veces que se ve a la protagonista en ropa interior o al Casas sin camiseta, de verdad que es la principal vergüenza de la película (pero no la única, ni mucho menos). Lo más elogiable de la película es como se ha conseguido ganar millones de corazoncillos de jovencitas y que no solamente digan que es una película increíblemente sensible y romántica y que es verdaderamente buena (lo que ya en si se merece una alabanza), sino que además ha conseguido (atención) que defiendan la idea de que Mario Casas es un gran actor (nunca en mi vida había visto que una película fuera capaz de manipular tanto a una persona).

Otra cosa que me avergüenza enormemente es que la película consiguiera estar nominada para los Goya por el mejor guión adaptado, hecho que te suplica que te avergüences de pertenecer a un país en el que pase tal cosa. ¿He dicho ya que Mario Casas es un pésimo actor? Quizás podría conseguir algo en el mundo teatral, donde la mirada no dice nada porque nadie la ve y donde la exageración es la actuación, pero no en el cine, donde una imagen debe transmitir más que mil palabras y resulta imposible que sea así con un actor como Casas de protagonista. También podría hablar de María Valverde, una actriz que sí tiene más madera para actuar que Casas (algo no demasiado difícil), pero que no se luce en una gran actuación, supongo que su cara (con un ligero toque a Sofia Coppola, con esa cara de asco que transmite menos que el aborto de una rata disecada) no consigue lo que pretende, que es encandilar al público.

Se ha quedado como otra "Titanic" (aunque más exagerada, de "Titanic" aún un hombre puede decir que le gusta sin tener que ser un mariquita), aunque sin duda de menor calidad, en casos como este es cuando me avergüenzo de ser un adolescente y de que haya gente de mi edad que crea que es una buena película.

Como ya he comentado, esta película ha sido creada con el objetivo de "guerra de sexos", con el perfecto conocimiento de que sería idolatrada por las millones de jovencitas, mientras sería indudablemente denostada por el género masculino. Por lo que llevo diciendo desde el principio algunos creeréis que lo que quiero decir es "las chicas jóvenes no tienen criterio", pero reconozco que sería incapaz de decir que, por lo contrario, "los chicos jóvenes tienen mucho criterio", ya que me temo que no hay nada más alejado de la realidad, actualmente solamente uno de entre quinientos jóvenes sabe quién es Ingmar Bergman, algo verdaderamente triste.

Algunos podéis pensar que escribo esta crítica con el fin de diferenciarme de los demás "incultos" adolescentes y para remarcar no solamente que soy un machote, sino que además soy más culto e inteligente que los demás; si queréis podéis pensar eso, pero al fin y al cabo yo solamente expreso mi opinión. Yo sabré más de cine y otro sabrá más de literatura, que más da.

Es tan sencillo como decir que esta "película" es un intento de colar romanticismo para colegialas como si fuera una película seria para que además crean que es buena y que no se diferencia de las miles que intentan lo mismo, aunque sencillamente esta consiguió su objetivo con creces mientras que las demás se quedaron atrás.

En resumidas cuentas, que hasta un aficionado al cine como yo me doy cuenta que es un producto empalagosamente comercial y que no puede evitar ser lo que verdaderamente es: un bodrio.

Nota: 2,75

El precio del poder - Scarface

Sinopsis:

Tony Montana es un emigrante cubano frío y sanguinario que se instala en Miami con el propósito de convertirse en un gángster importante. Con la colaboración de su amigo Manny Rivera inicia una fulgurante carrera delictiva con el objetivo de acceder a la cúpula de una organización de narcos.

Crítica:

El fresco aroma del crimen organizado


¿Puedo decir algo que no se haya dicho ya y se haya repetido miles de veces? Me temo que no.

Tengo miedo de escribir esta crítica. Tengo miedo de no estar a la altura de lo que pretendo expresar acerca de esta película. Aún recuerdo cuando, al escuchar la palabra "Scarface" me surgía en la mente esta misma imagen, pero me salía la imagen de la portada de la película porque es la misma que la del juego, que para entonces yo deseaba, a pesar de que sabía que nunca lo tendría por ser un juego algo violento. No puedo creer que fuera tan estúpido. Hasta hace un par de días ni siquiera sabía de la existencia de esa película, me avergüenzo de mi mismo por ello, hará como unos dos años (más o menos) que supe de esta película, sin saber entonces de su grandeza, aunque si sabiendo de su reputación de extremadamente violenta, por lo que sabía que no tendría oportunidad de verla hasta que hubieran pasado unos años (sí, soy muy joven), sin saber que en un futuro se convertiría en una de mis películas favoritas.

"El precio del poder" (para mí debería quedarse en "Scarface", aunque el título está bien elegido) es una obra maestra con clase, de esas irrepetibles por mucho esfuerzo que se haga. Consta de un guión denso, complicado y perfectamente enlazado, este es de los elementos que más me sorprendieron, su intrincado guión se desarrolla de forma sencillamente perfecta. Como no su magnífica banda sonora ayuda de forma espectacular en cada secuencia.

Se merece un parágrafo a parte la actuación de Al Pacino, en mi opinión, completamente sobrehumana (sin desvirtuar las demás interpretaciones, también excelentes). Esta actuación debe quedar como una de las mejores de la historia, casi nunca en mi vida había visto a alguien bordando con tanta perfección y verosimilitud un personaje. Muy importante también verla en versión original ya que es la única forma de maravillarse de la actuación de Al Pacino, el cual se mete en la piel de su personaje (menudo acento cubano) como si de él mismo se tratara.

Hay tantas cosas que podría decir que no tengo ni idea de que decir, no hay palabras suficientes para describir esta obra maestra. En cierto modo hay múltiples similitudes con "El padrino". Tony Montana es el lado oscuro de Michael Corleone, su versión cruda y descarnada, la versión narcisista, autodestructiva y cocainómana de el padrino.

En esta película se dan lugar varias frases que son ya míticas hasta un extremo insospechado entonces ("Say goodbye to the bad guy", "Say hello to my little friend!" ), sin contar que posee una de las escenas más míticas del séptimo arte (ese final se me quedará en la cabeza por mucho tiempo).

Aún no he llegado a asimilar esta obra maestra, sin duda merece un segundo visionado (sobretodo para poder comprender la trama en su totalidad). Siempre tuve la imagen de esta película como una película muy violenta, ese morbo que quiere descubrir si es eso verdad me invadió desde el primer instante (al igual que el de saber que es la película peor hablada de la historia, aunque eso lo supe solo un par de días antes de verla), así que, al fin cuando lo pude ver, estaba todo el rato esperando a que algo sangriento pasara. En la actualidad, la violencia de esa película no es tanta como fue entonces, para entonces fue una verdadera revelación de violencia (ciertamente sí que es violenta, la escena de la moto sierra me impactó bastante), sin embargo, como digo, ahora mismo esa violencia ya es algo casi corriente (digno de mención también, como un ejemplo, el hecho de que "A quemarropa" se considerara muy violenta en esa época, pero ahora tristemente es como un caramelito de fresa, sin contar que la película me pareció plana y monótona, aunque ese ya es otro tema).

Nota: 9,5

Boy A

Sinopsis:

Jack acaba de salir de la cárcel después de pasar la mayor parte de sus 24 años entre rejas por matar a un niño cuando era menor de edad.

Crítica:

La siempre polémica redención


¿Puede una persona que ha arrebatado una vida vivir su propia vida? ¿Tiene el derecho a tener una vida normal? ¿Merece morir? ¿Merece tener una vida seca y desagradable? ¿Tiene el derecho a redimirse? ¿Tiene el derecho de ser feliz?

Esta es una película mucho más profunda y compleja de lo que se presenta, plantea innombrables dudas acerca de la redención de los pecados y de el derecho a vivir a pesar de errores cometidos en el pasado.

Llevo poco más de un año escribiendo críticas. Al principio lo hacía sin pensar, decía "venga, voy a escribir una crítica", seleccionaba una película y me ponía a escribir lo que me salía, poco a poco dejé se hacer eso y empecé a escribir una crítica de casi cada película que iba viendo. Ahora ya no es lo mismo, veo películas y películas, algunas magistrales y algunas no, de las que, por mucho que me hayan gustado no escribo nada acerca de ellas ("Elephant" es el ejemplo más reciente, me fascinó, pero no escribí ninguna crítica), sin embargo siempre hay una película de cada cinco, diez, quince o veinte películas por la que una vez terminada la película, sé desde ese mismo instante que debo escribir una crítica. Esta es un ejemplo de esas películas.

John Crowley me sorprendió hará casi un año con su extraña visión de las relaciones amorosas en "Intermission", sin duda una lúcida visión acerca del amor y las relaciones, fusionando humor, drama, romance y thriller, una combinación que resultó ser enormemente satisfactoria, al igual que también muy desconocida. Pues bien, me encontré con esta película, enormemente desconocida (incluso más que "Intermission", me parece que ni siquiera ha estado doblada al castellano, por lo que no ha sido comercializada en España), con una prometedora historia y un sólido reparto protagonista. Crowley consiguió con pocos medios algo que muy poca gente es capaz de conseguir: una auténtica joya.

Caben destacar varios puntos, como por ejemplo su sobria y preciosa fotografía, las sólidas y excelentes interpretaciones (una emocionante y conmovedora actuación de Andrew Garfield, no me cabe la menor duda y una actuación magistral por parte de Peter Mullan, un actor desaprovechado a pesar de su talento), cabe destacar también su guión y el desarrollo de este, increíblemente original a pesar de su (en parte) tópico planteamiento, donde sabe diferenciarse del resto.

No me cabe la menor duda de que si se hubiera comercializado aquí (como dios manda) hubiera recibido una cálida recepción por parte de la crítica y un aceptable recibimiento por parte del público.

La sensación que tengo ahora respecto a "Boy A" es similar a la que tengo con "Elephant", ambas me parecieron casi perfectas en todo, indiscutiblemente magistrales, no me podrían haber gustado más debido a su estilo algo intimista y personal.

Sencillamente me gustaría que más gente pudiera disfrutar de esta magnífica película, también al igual que "Elephant" me parece improbable que pueda dejar indiferente a alguien.

Uno de los cientos de elementos a su favor (y el más importante) es que en ningún momento llega a recurrir al efectismo, al sentimentalismo barato, no sucumbe ningún momento hasta llegar a ser la película que pretende ser, en ningún momento se trata el tema desde un punto de vista infantil, inmaduro, irracional o utópico, marca las cosas tal y como son, derramándo toda la película en un magnífico final, un final desgarrador y maduro, sin terminar de decantarse por una filosofía propia (a pesar de que sí insinúe su opinión moral). Siempre seria, siempre consecuente, siempre emotiva, siempre siendo "Boy A".

Nota: 9,5

Reflejos (Mirrors) - Mirrors

Sinopsis:

Un guardia de seguridad (Kiefer Sutherland) de un centro comercial se ve envuelto en un misterio alrededor de unos escaparates con espejos en el departamento de ropa que aparentemente hacen que saque lo peor de las personas que se reflejan en ellos... Remake de la película surcoreana "Geoul sokeuro" (El otro lado del espejo), dirigida por Kim Seong-ho en 2003.

Crítica:

Dime algo que no sepa

Todo lo que diré a continuación no es spoiler, sin embargo sí explico cosas de los primeros 10 minutos de la película: Érase una vez un ex-poli (tópico nº1), ex-alcohólico (tópico nº 2), que empezó con la bebida debido a un suceso traumático (tópico nº3) y que sigue queriéndose tirar a su ex-mujer (una treintañera buenorra) que le dejó por ser alcohólico (tópicos nº 4, 5 y 6) y con la que tuvo dos hijos, un niño y una niño (tópico nº 7); el ex-poli se encuentra un trabajo como "guarda de seguridad (tópico nº8) que se quemó años atras (topicazo nº9) y del cual su antiguo guarda se obsesionó (tópico nº10) con los espejos del lugar, acabando con su vida. A eso que el ex-poli empieza a obsesionarse también (tópico nº11) con los espejos y empieza a emparanoiarse y a decirselo a todo el mundo, que no le creen (topicazo nº12) y se creen que está completamente loco a causa del antigo trauma (tópicazo nº13, del que por cierto no se cuenta absolutamente nada) y por lo tanto él se dedica a investigar por su cuenta (tópico nº14)... Y tengo una lista que llega hasta los 27 tópicos, pero no los nombraré para no desvelar nada más del argumento


Por si alguien no ha entendido el extremo tono satírico de la crítica (que estoy seguro que todo el mundo lo ha entendido) quiero dejar claro que a pesar de haber calificado el final como tópico y previsible (que lo es, ya que fue uno de los posibles finales que pensé antes de empezar la película), el final reconozco que mola bastante. En definitiva, que es una auténtica basura cinematográfica con un par de escenas gore para llamar la atención.

Momento desternillante:

-Le advierto que no tiene electricidad.
Y lo primero que hace el capullo de Sutherland es encender la luz del sótano, ¿ahora se ha vuelto un hombre con chispa? (Lo lamento, pero no he podido evitarlo).

PD: A pesar de los comentarios hechos anteriormente no pongo en duda la calidad de actuación de Sutherland (en este caso sencillamente pasable tirando a regular).

Nota: 3,25

Hooligans - Green street hooligans

(Me he pasado al blog La Taquilla Roja, con curiosos artículos, nuevas secciones y críticas varias de cine)

Sinopsis:

Un joven erróneamente expulsado de Harvard se muda a Londres, donde se introduce en el violento mundo de los hooligans.

Crítica:

Cruda visión de un crudo mundo


Llevaba un par de semanas ya sin escribir una crítica, no exactamente por falta de ganas, sino porque, por alguna razón, las películas que he visto desde entonces, aunque quería escribir acerca de ellas (y quién no querría escribir acerca de genialidades como "Taxi Driver" o "Las vírgenes suicidas"), cuando me disponía a escribir la crítica, no me salían las palabras, no sabía que escribir, así que decidí esperar a que alguna película me empujara a escribir sobre ella, y esa película al fin llegó, "Hooligans". No es que sea mejor que las nombradas anteriormente, sino que me impulsa a escribir por algo, por alguna razón desconocida.

"Hooligans" es una película en la que se presenta exactamente aquello que esperas. Una historia típica en cierta manera y aunque contiene cierto número de tópicos, se desarrolla de forma notable, sin ser (del todo) previsible. Lo que más me ha sorprendido es como consigue alejarse de lo sensiblero, del efectismo puro y de los tópicos vacíos.

Las opiniones de la gente acerca de esta película por lo general son bastante extremas, la mayoría de la gente o cree que es una buena película o que es basura, sin ser ni regular ni interesante, eso se debe principalmente a la forma en la que está grabada, especial, gente opina que su brutal violencia se debe a un intento de atraer público con violencia gratuita y otra opina que es algo completamente necesario, y yo, sin llegar a crear que las duras escenas son necesarias, si creo que complementan bien la película para lo que pretende transmitir (aunque como siempre he dicho, siempre me ha parecido fascinante la combinación de violencia con ciertas canciones muy acertadas, como se ve en una de sus escenas hacia el final). Objetivamente creo que se merece un 6,5 o algo parecido, sin embargo los sentimientos siempre intervienen en el visionado de películas como esta.

Resumiendo, posee buenas actuaciones, un interesante uso de la cámara, una bien elegida banda sonora y un correcto guión con la capacidad de conmocionar al espectador. Un satisfactorio final completa este interesante retrato del famoso mundo "hooligan" inglés.

Nota: 7,5

Los idus de marzo - The ides of march

Sinopsis:

Un joven idealista (Ryan Gosling) empieza a trabajar como director de comunicación para un prometedor candidato (George Clooney) que se presenta a las elecciones primarias del Partido Demócrata. Durante la campaña tendrá la oportunidad de comprobar hasta qué extremos se puede llegar con tal de alcanzar el éxito político. Adaptación cinematográfica de la obra teatral "Farragut North" de Beau Willimon.

Crítica:

La eterna ironía: Cuando los políticos pretenden sembrar la moralidad de la que ellos mismos carecen

Sin duda "Los idus de marzo" es un fiel retrato a la política y a toda la corrupción que la envuelve. Justamente ahora estoy viendo la serie "The Wire" (concretamente estoy en la quinta y última temporada), en la cual en la tercera temporada empieza a salir el punto de vista político, que sin duda me resultó muy interesante. Los parecidos con "Los idus de marzo" son considerables, ambas tienen semejanzas (semejanzas que si son verdad, que seguramente lo son, son dignas de verguenza ajena) que ambas muestran con total libertad y con el máximo realismo posible, aunque estoy escribiendo esto para dar mi opinión acerca de "Los idus de marzo", así que vamos al grano.

Se podría calificar esta película en dos etapas: la parte puramente política y el thriller (político también).

Por una parte esta esa primera parte en la que nos muestra un carismático candidato a las elecciones primarias por parte del partido demócrata. Vemos sus ideales, vemos su paso a través de la campaña, vemos sus problemas, vemos el asesoramiento que recibe por parte de los directores de su campaña, vemos su campaña seguida por la prensa y vemos como poco a poco va acercándose a su meta. Luego algo ocurre y hay un giro importante en el tono de la película.

Entonces viene la parte de thriller político, de la que no desvelaré ni un solo detalle, solamente puedo decir que es un cambio muy bien asumido, algo que pocas películas han podido hacer ya que por lo general con cambios drásticos no consiguen igualar la calidad inicial, aunque aquí se lleva bien, se ve todo desde un tono más pesimista, más cínico (incluso más de lo que era antes) y más oscuro. Todo esto queda bien envuelto con la guinda de un final completamente inmoral, un gran final.

A parte de comentar su banda sonora, sin duda muy bien conseguida para cada situación, hay que destacar su magníficamente elegido reparto: por una parte tenemos a un joven guapeton de moda (y un magnífico actor aún por explotar), llamado Ryan Gosling (que ese mismo año hizo una joya llamada "Drive"), también tenemos al carismático y guaperas George Clooney (si, otro guaperas), el propio director, que no se conforma solamente estando detrás de las cámaras así se niega a salir de delante de ellas; tenemos también a uno de los grandes entre los grandes, Philip Seymour Hoffman (un verdadero actorazo, véase "La última noche" o "La duda", entre muchas otras), también vemos a otro grande, Paul Giamatti (papelazo en "El mundo según Barney", un actor que considero algo infravalorado, o más bien infrausado) y para culminar este sublime elenco tenemos una cara eternamente agradable, Marisa Tomei, una veterana a la que no la pesan los años (y una gran actriz).

Si es que verdaderamente hay que elogiar los cojones de los políticos al predicar una política de la que ellos mismos abdican, todo porque ahora la sociedad ya está acostumbrada, pero, imaginaos ahora a un sacerdote católico que está en medio de un sermón, a lo que suenan las nueve de la noche y dice "Rezad diez Ave Marías y veinte Padres Nuestros, que tengo que ir a casa a hacerle el amor a mi mujer", o a un comunista en una reunión que cuando llega la hora de terminar la reunión le dice a los otros "que tal si ahora nos vamos de cervezas y luego vamos a agradecer a los policías su magnífico trabajo persiguiéndonos, ¡que dios bendiga el capitalismo y la propiedad privada!".

Os podéis reír si queréis, a pesar de que los ejemplos sean exagerados lo que hacen los políticos vienen a hacer lo mismo, el problema es el conformismo de la sociedad...

Si te preguntas si debes ver "Los idus de marzo", solamente hay una respuesta clara y sencilla: sí.

Nota: 8,25

Chinatown

Sinopsis:

Los Ángeles, 1937. El detective Gittes, especializado en divorcios, recibe la visita de la esposa de Mulwray, el jefe del Servicio de Aguas de la ciudad, que sospecha que su marido la engaña. Al mismo tiempo, Gittes descubre que los agricultores acusan a Mulwray de corrupción por su negativa a construir un pantano que paliaría la sequía que sufren. Poco después, el escándalo salta a la prensa, pero la cosa se complica cuando una mujer se presenta en el despacho de Gittes con una sorprendente revelación.

Crítica:

Y finalmente al día siguiente...


...tuve el valor de escribir esta crítica. Para todo el mundo hay películas especiales, eso no significa que te hayan gustado más que las demás, sino que no ha pasado desapercibida. En mi caso, hay un par de películas que han conseguido afectarme de verdad, que me han impactado y me han dejado en shock en cierta forma, entre ellas están "Match Point" o "Revolutionary Road", ambas películas tardé más de un día en sentirme capaz de votar, porque por alguna razón, deseaba no haberlas visto. Pues para mi mala suerte, ya hay otra en la lista. Asquerosa "Chinatown".

Quiero aclarar que esta extraña sensación no se debe a que la película en sí sea desagradable, no es muy violenta ni perturbadora en general, sabe contenerse en su contenido explícito. Tenía bastante claro que le daría un 8 a esta película cuando quedaban 10 minutos para que terminara, estaba casi decidido (porque además, "gracias" al estupendo libro de Peter Biskind "Moteros tranquilos, Toros salvajes" ya sabía el final, o al menos eso creía), así que esaba seguro de que terminaría igual, con un 8 normal y corriente, un verdadero notable, sin embargo, finalmente llegaron ese fatídico último minuto, en el que el cabrón de Towne escribió en su guión lo que pasaría. Así que por culpa de su traumático final, esa ha sido la impresión que me ha dado "Chinatown", no de cine negro e intriga normal y corriente, me ha dejado ese amargo sabor de boca que nunca me podré quitar.

La madre que parió a Robert Towne.

No puedo decir nada más acerca de esta película, no quiero hacerlo.


Nota: 8,25

Grease (Brillantina) - Grease

Sinopsis:

Verano de 1959. Sandy (Olivia Newton John) y Danny (John Travolta) han pasado un romántico y maravilloso verano juntos, pero, cuando las vacaciones se acaban, sus caminos se separan. Inesperadamente, vuelven a verse en el instituto Rydell, pero la actitud de Danny ya no es la misma: ya no es el chico encantador y atento que encandiló a Sandy; ahora es engreído e insensible.

Crítica:

Bad Boys & Pretty Girls (Curso de repetidores)


Para empezar, destacar el tópico de coger a un instituto para que discurra la acción allí y coger a gente de entre 20 y 30 años para representar a dichos estudiantes, menudos repetidores. También me siento obligado a decir que no es una excepcional película, es más, quizás sea un buen musical (eso no lo dudo), pero sin duda alguna, no vale como película, tiene un argumento plano, sencillo y tópico, aquí todo es perfecto, el amor es sencillo y directo, muchas situaciones son absurdas, en busca de romanticismo encontraron momentos romanticones, sin sentimiento, sin nada absolutamente profundo.

Aunque me gustaría comparar "Grease" con "Fiebre del sábado noche", eternos rivales, para empezar, "Fiebre del sábado noche" tiene un guión más realista, más profundo (Tony no baila porque sí), también posee más romanticismo (el romanticismo insinuado siempre es mejor), es más dramático, no es todo perfecto, como he dicho es más realista, por lo que se podría considerar la versión adulta de Grease ("Fiebre del sábado noche" está calificada +18, mientras que "Grease" es apta para todos los públicos), así que yo veo a "Grease" como una versión infantilizada de "Fiebre del sábado noche", tampoco estoy diciendo que sea una gran película, sin embargo es superior a "Grease" desde un punto de vista cinematográfico (el mío, eso sí), así que al fin y al cabo me puedo equivocar, pero yo lo veo así.

En definitiva, un marcado clásico porque introdujo cambios en la época (aunque por lo que tengo entendido "Saturday Night Fever" influyó bestialmente su época), un entretenido musical de interesantes canciones, en fin, un sano entretenimiento. Aunque recordad, no hubiera habido "Grease" sin "Fiebre del sábado noche".

Nota: 6,75

La hora del lobo - Vargtimmen

Sinopsis:

En una isla viven los Borg: Johan, que es pintor, y su mujer Alma. Sus vecinos, los siniestros Von Merken, poseen un círculo de amistades tan escalofriante que Johan comienza a obsesionarse con la idea de que los demonios lo acechan...

Crítica:

No es necesaria la cuenta atrás: llegó la hora del lobo


Una película de terror existencialista de mano del maestro Ingmar Bergman. Esta es la cuarta película que veo de su filmografía, las tres anteriores ("El séptimo sello", "Persona" y "Como en un espejo") las tengo valoradas todas mas o menos a un nivel similar, lo que sería aproximadamente un 9, se nota que esta es una obra menor suya, pero eso no le quita calidad, esta discreta obra de Bergman es capaz de ponerte los pelos de punta. Solamente necesitas saber una cosa antes de ver esta película, necesitas ver la portada para saber que te dispones a ver, solamente con la portada puede deducirse: locura.

Bergman vuelve a usar a dos sus actores fetiche: Max Von Sydow y Liv Ullmann, ambos titanes de la interpretación. Esta película dista considerablemente de las demás obras existencialistas de Bergman, esta se basa en la parte más oscura del hombre, en la visión de el arte y el artista, en la parte más escondida en los recovecos de todo ser, en la locura, la rabia, el miedo. Esta película, sin duda de las películas más visualmente atrevidas del maestro suizo, posee una de las escenas más perturbadoras e inquietantes que nunca he visto, sin nombrar la enorme tensión a lo largo del filme que no te permite respirar aliviado y que te mantiene en cierto modo incómodo e intrigado y que te dejará con un mal sabor de boca al terminar la película.

No esperes ver nada racional, nada fácil de ver, "La hora del lobo" no es una película comercial y sin sentido, tampoco es como las demás películas de Bergman (a pesar de también contener varias reflexiones filosóficas, en este caso acerca de la naturaleza del miedo y de la oscuridad del ser humano), esta película no está masticada ni preparada, esta películas está cruda, sin condimentos, seca, prácticamente desagradable, mentalizate bien si realmente quieres verla.

Nota: 7,5

Headhunters - Hodejegerne (Headhunters)

Sinopsis:

Roger es un reputado cazatalentos noruego que vive en una maravillosa casa de campo con su esposa Diana, la bella propietaria de una galería de arte. En realidad, está viviendo muy por encima de sus posibilidades; si puede mantener ese ritmo de vida es gracias a que se dedica a robar obras de arte. En la inauguración de una galería, su esposa le presenta a Clas Greve, que, además de ser el candidato perfecto para el cargo de director general de la compañía de Roger, es propietario de una pintura muy valiosa. Roger ve que le ha llegado la oportunidad de alcanzar definitivamente la independencia económica y empieza a planear el robo del cuadro.

Crítica:

Me da verdadera lástima...


Estaba tranquilamente en mi casa cuando un amigo me dijo de hacer algo, a lo que dije que vale y quedamos. Decidimos ir al cine para hacer algo, a esa hora solo había dos sesiones, la de "Prometheus", que a pesar de que me picaba la curiosidad, sabía que no valía la pena pagar ocho euros y medio para verla, y luego estaba "El legado de Bourne", de la cual he visto su anterior triología, pero no quería defraudarme viendo solamente acción sin ninguna clase de entusiasmo, así que decidimos esperar a la siguiente sesión, donde habiendo varias opciones a elegir, mi amigo quería ir a ver "Abraham Lincoln: Cazador de vampiros" (mi amigo no es demasiado cinéfilo, que digamos), mientras que, de entre las opciones que había, yo me decantaba más bien por un discreto thriller noruego, finalmente le convencí para ir a ver "Headhunters". Sin contarnos a nosotros dos, solo había una pareja en toda la sala, sinceramente, me sentí avergonzado, avergonzado de que solo hubiera cuatro personas en esa sala mientras en "Abraham Lincoln: Cazador de vampiros" habrían por lo menos treinta personas.

No tenía expectativas muy altas, con un thriller pasable y tópico ya me comformaba, pero me sorprendió de inicio la música con un pequeño prólogo, divertido y cínico que consiguió animarme un poco, sin duda fue una sorpresa encontrar en este discreto thriller europeo no solamente entretenimiento, sino una talentosa evasiva de tópicos (en general) que te mantenía en constante tensión por la aparente sencillez de la trama, iba sorprensiéndome con chispazos de humor negro, de violencia y de desnudos, poco usuales pero sin duda potentes. También me encontré con un elenco de actores que cumplían su papel con creces (gran actuación de Aksey Hennie, con un considerable parecido a Cristopher Walken, con aires de Steve Buscemi) con un desarrollo de la trama que no puedes esperarte en un principio. Una pequeña aunque talentosa película a la altura (incluso superior) de cualquier thriller de Hollywood.

Nota: 8

Drive

Sinopsis:

Durante el día, Driver (Ryan Gosling) trabaja en un taller y es conductor especialista de cine, pero, algunas noches de forma esporádica, trabaja como chófer para delincuentes. Shannon (Brian Cranston), su jefe, que conoce bien su talento al volante, le busca directores de cine y televisión o criminales que necesiten al mejor conductor para sus fugas, llevándose la correspondiente comisión. Pero el mundo de Driver cambia el día en que conoce a Irene (Carey Mulligan), una guapa vecina que tiene un hijo pequeño y a su marido en la cárcel.

Crítica:

Atípico western moderno


Esta película, desde su sencilla e interesante introducción, va captando cada vez más tu atención hasta no dejarte escapar, hasta no dejarte respirar, hasta fascinarte por sus maravillosas escenas. No hay duda de que es una película diferente, que uno no puede ver esperando ver otra película, tiene que saber que no va a ver una película de acción ni nada por el estilo, se dispone a ver una magistral mezcla de thriller, drama y cine negro revitalizado con toques de un western clásico, algo así como hizo Jean-Pierre Melville en 1967 con "Le samouraï (El silencio de un hombre)", una película que me fascinó al encontrar un cine diferente, atrevido y modernista.

"Drive" tiene muchas ventajas, posee un elenco de actores perfectamente elegidos, son actores que nunca han expresado del todo su potencial y eso Refn lo aprovecha, otro elemento a tener en cuenta es su uso de la cámara, con unos planos que ningún otro director se atrevería a hacer, con una fotografía retratando la noche al más puro estilo de luz de neón, algo que me recordó en parte a "Ladrón" de Michael Mann. El hecho de garantizar sentimientos en una película muchas veces es mediante la cámara lenta, algo a lo que le sacan mucho provecho creando una especie de oscuro epicismo, al igual que el uso de la luz, algo muy irregular para un director comercial, lo que permite junto a la banda sonora un oscuro lirismo que perpetra hasta el fondo de tu ser. Sin duda hay escenas que para mí rozan la precisión.

No hay que buscar en "Drive" convencionalismos, pues no los encontrarás, aunque encontrarás una película que puede o no puede considerarse comercial a pesar de contener crudas explosiones de violencia, escenas alargadas para crear una extraña sensación, etc...

Nota: 9,5

Bailar en la oscuridad - Dancer in the dark

Sinopsis:

Selma, inmigrante checa y madre soltera, trabaja en la fábrica de un pueblo de los Estados Unidos. La única vía de escape a tan rutinaria vida es su pasión por la música, especialmente por las canciones y los números de baile de los musicales clásicos de Hollywood. Selma esconde un triste secreto: está perdiendo la vista, pero lo peor es que su hijo también se quedará ciego, si ella no consigue, a tiempo, el dinero suficiente para que se opere. Tercera película de la trilogía "Corazón dorado" de Lars Von Trier.

Crítica:

¿Por qué?


¿Por qué no supe nada de esta película hasta hace unos meses? ¿Por qué tuve que esperar 15 años y medio de mi vida para ver una película así? ¿Por qué?

No me lo creí hasta una vez finalizada la película, no me creí todas esas críticas que hablan de la magistral actuación de Björk, de la sensibilidad que transmite, de la ternura que te hace sentir, hasta que vi como me caían dos lágrimas, una por cada mejilla, hasta que esta película pasó a ser la primera que me vio llorar. Muchas veces me había emocionado antes, varias veces se me habían humedecido los ojos, pero nunca había derramado una sola lágrima por una película y creía que nunca lo haría, pero está claro que me equivocaba.

"Bailar en la oscuridad" es sin duda una película que puede no gustar, hay que considerar que a mucha gente no le gustan los musicales, y eso es algo que Von Trier sabía perfectamente antes de dirigir esta película, pero al fin y al cabo se trata de Lars Von Trier de quién estamos hablando, no es un director famoso por ser un director comercial. Por lo general a mí tampoco me gustan los musicales, pero siempre hay excepciones. Reconozco que hubo algún momento en el que no terminó de encajarme la parte musical, sin embargo hay que reconocer que tiene su mérito crear esos cambios de estética y de sentimiento tan violentos, eso es algo que casi nadie se atrevería a hacer.

El hecho de que esté filmada como una película casera sin duda le añade un punto a su favor, es algo siempre atrevido, pero que a veces funciona, estando filmada de esta forma, Björk, con todo su talento, minuto a minuto va transmitiéndose ternura y bondad, hasta que te encariñas de ella de forma inimaginable hasta llegar a puntos que nunca creíste que llegarías.

Nota: 8,25

Origen - Inception

Sinopsis:

Dom Cobb (DiCaprio) es un experto en el arte de apropiarse, durante el sueño, de los secretos del subconsciente ajeno. La extraña habilidad de Cobb le ha convertido en un hombre muy cotizado en el mundo del espionaje, pero también lo ha condenado a ser un fugitivo y, por consiguiente, a renunciar a llevar una vida normal. Su única oportunidad para cambiar de vida será hacer exactamente lo contrario de lo que ha hecho siempre: la incepción, que consiste en implantar una idea en el subconsciente en lugar de sustraerla. Sin embargo, su plan se complica debido a la intervención de alguien que parece predecir cada uno de sus movimientos, alguien a quien sólo Cobb podrá descubrir.

Crítica:

La era de Christopher Nolan

Ahora me dedicaré a escribir acerca de la película que fui a ver al cine en cuanto estrenaron, que volví a ver otra vez en el cine y que compré en Blu-Ray más tarde y que revisé ayer mismo, y a la película a la que tenía por muy buena por la sensación que me dejó pero que incluso superó mis expectativas de muy buena al fijarme en todos sus aspectos durante su revisión y al vislumbrar su genialidad. Esa película se llama "Inception" (el título original, mucho mejor, para variar).

Para empezar cuenta con un buen elemento, el elemento de los 148 minutos de entretenimiento que posee, algo no solamente muy difícil de conseguir, sino casi imposible, pero como Nolan es Nolan, lo consiguió.

Luego posee otro notable y siempre bienvenido elemento, el elemento de los 148 minutos de absoluto ingenio que posee, un guión trabajado hasta no poder más y refinado cada minucioso detalle, un guión tan enormemente ingenioso que no solamente es muy difícil de conseguir, sino que es casi imposible, pero como Nolan es Nolan, lo consiguió.

Posee otro sobresaliente elemento, el elemento de los 148 minutos de control sublime del aspecto visual, desde sus deslumbrantes y efectivos efectos especiales hasta su inteligente y curioso uso de la cámara, un aspecto visual tan impactante no es solamente muy difícil de conseguir, sino casi imposible, pero como Nolan es Nolan, lo consiguió.

Si esperáis que haya un cuarto elemento de 148 minutos magistral y casi imposible estáis soñando, no es que no los haga, pero no soy ninguna máquina de escribir ni nada por el estilo y no estoy para escribir una crítica detallada de cada plano de la película. En ningún momento quiero que penséis que mi pro-Nolanidad haya afectado en que no haya tenido en cuenta el trabajo de los demás, ni mucho menos, esa es la casi perfección, cuando las cientos de personas que han estado directamente involucradas en este casi perfecto proyecto consiguen una casi perfecta coordinación. Sé que no querréis oir ni un solo "casi" más porque sino os suicidáis, así que no os preocupéis que esto ya casi está...

Nota: 9,5

El caballero oscuro: La leyenda renace - The dark knight rises

Sinopsis:

Hace ocho años que Batman desapareció en la oscuridad, dejando de ser un héroe para convertirse en fugitivo. Al asumir la culpa por la muerte del fiscal del distrito Harvey Dent, el Caballero Oscuro decidió sacrificarlo todo por lo que consideraba, al igual que el Comisario Gordon, un bien mayor. La mentira funciona durante un tiempo, ya que la actividad criminal de la ciudad de Gotham se ve aplacada gracias a la dura Ley Dent. Pero todo cambia con la llegada de una astuta gata ladrona, que pretende llevar a cabo un misterioso plan. Sin embargo, mucho más peligrosa es la aparición en escena de Bane, un terrorista enmascarado cuyos despiadados planes para la ciudad obligan a Bruce a regresar de su voluntario exilio.

Crítica:

No tengo reproches para Nolan


Sin duda esta era una de las películas que más ganas tenía de ver y desde hacía ya tiempo, desde que después de haberme sorprendido con esa genialidad llamada “El caballero oscuro” y desde que supe que habría una tercera y última parte de la saga. Lo que todo el mundo se pregunta es sencillamente: ¿Es “El caballero oscuro: La leyenda renace” mejor que “El caballero oscuro”?. Una pregunta sencilla se responde con una contestación sencilla: no. Sin embargo yo tuve la ventaja al verla que no tenía tan altas expectativas, desde un principio sabía que no igualaría a su predecesora, ya me habían dicho que en parte era una decepción a pesar de no ser mala en absoluto. También desde un principio tenía claro que esta película si no la visionaba en el cine sería mejor no hacerlo más tarde ya que ya sabía que iba a ser espectacular en cuanto a estética (principalmente efectos especiales, sin duda).

Para ser sincero, estoy completamente satisfecho con lo que me ha brindado Nolan esta vez a pesar de que este no es de los mejores guiones con los que ha colaborado.

Ahora empezaré (¡Al fin!) la crítica de la película estrictamente centrándome en ella. Posee varios elementos más que sobresalientes, a destacar entre ellos el reparto, posiblemente el mejor elenco de actores de una película de todo el 2012 (Un siempre monumental Christian Bale, una de las más desconocidas de las jóvenes estrellas de Hollywood Anne Hathaway, un magistral Joseph Gordon-Levitt, un sublime Gary Oldman, una notable actriz de la talla de Marion Cotillard, el infravalorado Tom Hardy, etc.), un verdadero lujo.

Como era de esperar las comparaciones han podido con esta gran película, aunque es cierto que aquí hemos visto la parte más comercial de Nolan (usando varios clichés y tópicos del género de acción y dramático, al igual que la no tan profunda caracterización de los personajes), pero como ya he dicho “El Joker” era insuperable, nunca antes se había visto un villano tan oscuramente carismático, aunque “Bane” no esté a su altura, es un buen villano. Se perdona esa no tan profunda caracterización psicológica por el hecho de que en esta película hay un número considerable de secundarios de vital importancia.

No tengo reproches para Nolan, después de haber visto toda su filmografía completa no me permito que salga ninguna crítica hacia él ya que como él ya quedan muy pocos. Si dudáis en ir a verla o no, no es necesario que dudéis más ya que hacia años que no se pasaba una película tan épica como esta, no es para arrepentirse de haber pagado siete euros para haber visto una película de este calibre.

Nota: 8,75

Asalto al tren Pelham 123 - The Taking of Pelham 123

Sinopsis:

Walter Garber (Denzel Washington), supervisor del Metro de Nueva York, tiene que afrontar el caos provocado por el secuestro de un vagón por una banda armada, cuyo cabecilla es Ryder (John Travolta). La banda amenaza con ejecutar a los pasajeros si, en el plazo de una hora, no se les paga un alto rescate. Garber utiliza sus conocimientos del sistema subterráneo para intentar burlar a Ryder y salvar a los rehenes. Pero hay un enigma que Garber no puede resolver: en el caso de que los criminales obtuvieran el dinero, ¿cómo conseguirían escapar? Remake de "Pelham uno, dos, tres" (1974), thriller protagonizado por Walter Matthau.

Crítica:

Homenaje a Tony Scott, un buen director

Justamente después de leer que Tony Scott, famoso director hermano de Ridley Scott, se había quitado la vida tirándose de un puente me quedé parado, sobretodo sorprendido, paralizado ante algo tan inesperado, no sabía que hacer y no se me ocurrió nada mejor que escribir una crítica en su nombre, en defensa a su legado. Tony Scott nunca ha destacado mucho con una carrera muy regular y sobresaliente, nos sorprendió con algunas de sus obras (“El fuego de la venganza”, una película irrepetible) y otras veces nos decepcionó un poco (sus últimas películas en general, la que más para mí posiblemente “Déjà Vu”, a pesar de no ser ningún bodrio). Esta crítica la dirijo a “Asalto al tren Pelham 123” sencillamente porque es la que yo considero más infravalorada del director. Lo único que puedo hacer es agradecer a este director todas las obras que nos ha dejado y todo el entretenimiento que me ha ofrecido. Ya que estamos a medio trabajo hablaré de la película en cuestión. Posiblemente yo la considero superior de lo que los demás la consideran porque no he visto la película original, lo que me quita el poder de la comparación, algo con lo que seguramente esta película saldría perdiendo ante la película original. También hay que reconocer que solo la vi una vez, hará un par de años, por lo tanto supongo que la vi alrededor de los 13 años, por lo que reconozco que mi criterio de entonces no tenía mucha credibilidad (tampoco digo que lo tenga ahora). También es necesario decir que era mi época de adulación a Denzel Washington y a su personaje (voy a recordar que en el 70% de sus papeles su personaje es el mismo con un nombre diferente), por lo que me quita todavía más objetividad, pero no me importa. Lo que sí me importa es que haya muerto un director que tanto rato ha logrado hacerme disfrutar sabiendo que ya nunca podrá volver a hacerlo de nuevo. “Asalto al tren Pelham 123” goza de una agilidad en los diálogos considerable, algo que siempre me ha gustado, recuerdo que me fascinó la relación “chico bueno, chico malo” entre Washington y Travolta, que me encantaban sus constantes chistes de falsa confianza y sus constantes bromas en medio de un asunto de tal seriedad. No niego que posea falta de realismo ni niego que sea forzada en algunas situaciones, pero niego que sea una película que no merece respeto, eso sí que no.

Nota: 7,5